VIDA DEL PINTOR
Michelangelo
Merisi nació el 28 de septiembre de 1571 en l (Italia). Ésta su
ciudad natal fuel la que le dio nombre y así este pintor es conocido con el
nombre de Caravaggio. Provenia de una acomodada familia, ya que su padre era un
alto funcionariode la corte de Caravaggio, éste cuidaba el estado de diversos
edificios del poderoso.
En
1576, estando en Milán una epidemia de peste provoco la muerte de su padre y la
familia Merisi tuvo que volver de nuevo a Caravaggio.
Años
más tarde, en 1584, Caravaggio regresa a Milán por su cuenta e ingresa como
aprendiz en el taller de Simon Peterzano. Éste introduce a Caravaggio en los
postulados de la reforma trentina y el estilo manierista, y consiguió trasmitir
al joven algunos valores pictoricos de tradición Lomarda y veneciana, como son
el color y la sensualidad de Venecia y el luminismo realista de Lombarda.
Caravaggio aprendió también de su maestro el modoo de manejar la luz, el color
y el sentido de la realidad. Pero Caravaggio nunca siguió las reglas que debían
aplicarse a la pintura de su época y así, nunca acepto que el modelo artístico
fuese el Renacimiento o la época clásica, ya que para él el verdadero modelo se
encontraba en la naturaleza. Caravaggio consideraba de igual belleza a un
cuadro de flores o frutas que a un cuadro sobre historias bíblicas.
Otra norma que
existía en esta época y que Caravaggio no cumplió fue el decoro. El decoro es
la norma según al cual sólo se eligen para ser representados aquellos elementos
convenientes a la dignidad del tema, ciertos principios básicos que el pintor
no podía pasar por alto. Sin embargo Caravaggio violó constantemente el
principio del decoro, dibujando virgenes cuyos modelos eran prostitutas,
ángeles chaperos, etc. Estos elementos hicieron que muchos de sus compradores,
integrantes de la iglesia, rechazasen sus cuadros. Aún así coleccionistas
romanos y extranjeros seguían disputándose sus obras.
Caravaggio
intentó captar la atención del público pintando personajes en actitudes
sorprendentes. Esto lo conseguía mediante “el moto”, que es el movimiento
interno de las figuras, que traduce las pasiones y la psicolgía de los mismos.
A
partir del año 1589 llega una etapa mala en la vida del pintor. Mientras vivia
en Milán su madre se puso enferma y él se ve involucrado en un delito de
agresiones que le lleva a la cárcel. Para salir de la carcél decide vender unas
posesiones familiares y reparte las ganancias con su hermano. Con el poco
dinerio que le sobra decide marchar a
Roma para avanzar en su carrera como pintor.
A
su llegada a Roma se aloja con el cardenal Pandolfo Pucci di Recanti. La
relacion que mantuvo con este cardenal le permitió ponerse en contacto con la
familia Aldobrandi. Posteriormente, trabajó en el taller de Antiveduto della Gramatica, donde realizaba cuadros de medias
figuras.
Caravaggio siguió trabajando en distintos sitios y para
distintas personas hasta ser contrtado por el Caballero de Arpino. Este
poderoso personaje le proporcionó algunos de sus clientes más importantes y fue
una persona que influyó notablemente en su pintura.Caravaggio aprendio de éste
la manera de realizar
bodegones
y fruteros. Mientras tanto, Caravaggio se asocia con el pintoresco Prosperino
Orsi, también llamado Prosperino delle Grutesche.
Pero sin duda
alguna, el personaje más influyente y el que supuso el gran empujón en su
carrera fue el cardenal Francesco del Monte, representante del Gran Duque de
Médici en la Santa Sede. Éste era un experto conocedor de la pintura, la
música, científico, alquimista y seguidor de Galileo Galilei, que más tarde fue
condenado a muerte por la Inquisición. El cardenal se convirtió en el protector
de Caravaggio en el año 1595-1596 y vivió con el hasta el año 1600. El cardenal
del Monte le puso en contacto con familias como los Giuliani, los Mattei y los
Crescenza, y le consiguió sus primeros
encargos públicos de importancia.
En
estos primeros años en Roma, Caravaggio se dedicó fundamentalmente a una
pintura de género. Preparaba para cada cliente escenas de difícil lectura,
llenas de claves que guardaban varios significados. Convertía un simple lienzo
en una sofisticada y sutil exposición de ideas y pensamientos. Este tipo de
pintura mezcla un realismo con un trasfondo alegórico. En muchas obras de
Caravaggio podemos observar distintos elementos que quieren decir algo más que
el simple hecho de que están ahí pintados, tienen un trasfondo. Así pues, en
algunos cuadros de Caravaggio se puede apreciar ciertos elementos que indican
sus tendencias homosexuales, y también su gusto por la música.
La primera
variación en el estilo de Caravaggio se dio cuando recibió el encargo de la
CapillaContarelli. Este encargo, que fue conseguido por el cardenal del Monte
para Caravaggio, resultó trascendental,
ya que sus pinturas iban a estar expuestas al público en la capilla de la
iglesia de San Luis de los Franceses. Además, se consideró que este encargo
pudiése tener algunos aspectos políticos, ya que en 1593 Enrique IV de Francia
se había convertido del protestantismo al catolicismo. Caravaggio consiguió con
este encargo una fama inmediata que propició siguientes encargos públicos, como
dos lienzos para Santa María del Popolo.
En sus
primeras pinturas, Caravaggio pintaba los elementos imprescindibles para
organizar la escena, sin mostrar el fondo ni el contexto donde tiene lugar, y
sin narración. Pero este encargo supuso, como ya he dicho antes, un cambio en
el estilo de Caravaggio. Debía evolucionar de sus escenas esenciales a una
pintura histórica. La pintura histórica consiste en relatar una historia, y para esto es necesario un mayor número de
personajes, su contextualización en un etorno y acciones más generales. Así
debía concentrar la historia en un momento cumbre y para ello prescindia de
fondos y aplicaba un gran contraste luminoso, lleno de claroscuros, que
ensalzaba a los personajes En ocasiones
Caravaggio recurrió a un término medio, con figuras extraordinariamente
versistas y monumentales, que llenaban de solemnidad el lienzo.
De aquí en
adelante, Caravaggio tuvo algún encargo más pero poco a poco éstos se
paralizaron. Esto fue debido a sus faltas contra el decoro que la iglesia y los
canales oficiales no podían aceptar. Aun así Caravaggio siguió vendiendo sus
cuadros a extranjeros.
· Problemas
con la justicia
De 1599 a
1606, viviendo Caravaggio en Roma, comienza una etapa en su vida llena de
escandalos y pasiones encontradas. Durante estos años Caravaggio tuvo múltiples
problemas con la justicia provocados por peleas o agresiones debidas a su
carácter conflictivo. Así, en 1601,
Caravaggio hirió de espada en una pelea a Flavio Canonico,un antiguo
sargento del castillo de Sant´Angelo, y fue encarcelado. Caravaggio fue
excarcelado debido a la intervención del embajador de Francia. Poco después, en
1602, Caravaggio tuvo grandes disputas con su biógrafo Giovanni, entre las que
se sucedieron demandas por ambas partes. Baglione le demandó por líbelo, más tarde por frecuenter chaperos, y
Caravaggio repartió poemas satíricos ridiculizando a Baglione.
Entre 1604 y
1605 los encarcelamientos y las agresiones se sucedieron a gran ritmo, siendo
ayudado por su protector, el cardenal del Monte. El hecho más destacado en este
período es el intento de asesinato al notario
Mariano Pasqualone. Éste le acusaba de vivir con Lena, una prostituta
que posaba para él.
Finalmente, el hecho más grave fue el asesinato de
Tomassoni. Sus protectores no pudieron hacer nada esta vez y sobre Caravaggio cayó un sentencia de
decapitación que le obligó a huir de Roma. Caravaggio estaba jugando a la
pelota con Tomassoni y los dos se enzarzaron en una pelea en la que Caravaggo
acabó por asestarle una puñalda a Tomassoni que le causó la muerte.
·
Sus
últimos años
Después de la
sentencia de decapitación que había sobre él y de huir de Roma Caravaggio se
refugia en los Colli Albani, durante el verano de 1606. Allí contó con la
protección de los Colonna. La pintura de Caravaggio cambia en esta época, él es
un proscrito y su pintura se vuelve mas realista y arenúa los colores. Pero
allí su carrera como pintor de éxito no podía avanzar y decide marchar a
Nápoles. Allí no tiene que preocuparse por la sentencia de decapitación, ya que
s virreinato español, ajeno a la jurisdicción romana. En Nápoles recibió
importanates encargos, como las siete Obras de Misericordia o La Madona del
Rosario.
En 1607 se enteró de las obras para constriur
la protocatedral de San Juan de Valetta, en Malta y se trasladó allí en busca
de encargos. Allí recibió la protección
y el asilo de de la Orden de los Caballeros de Malta, y en especial la de su
gran Maestre, Adolf de Wignacourt. En Malta recuperó de nuevo el renombre como
artista y le nombraron caballero de la orden. Sin embargo, una nueva pelea, con
uno de los nobles caballeros le llevó a la desgracia de nuevo y tuvo que huir
de nuevo esta vez a Sicilia.
Durante 1608 y
1609 estuvo trabajando en Sicilia, Siradusa y Messina, pero sigue creando
problemas y en Octubre de1609 se
refugia en Palermo donde recibe una paliza que eldeja desfigurado, los
agresores eran presumiblemente emisarios del caballero de Malta.
La pintura de
estos últimos mese es agónica, cubierta por un velo de luz difusa que confunde
los personajes. En estos momentos realiza el David, considerada su última obra
y una petición de perdón al papa.
Finalmente,
Caravaggio muere el 18 de Julio de 1610 en la playa de Porto Ercole de
disentería o pulmonía, después de haber pérdido un barco de regreso por estar
detenido.
SU OBRA
La
pintura de Caravaggio está claramente marcada por el tratamiento de la luz. En
sus cuadros se puede observar la gran maestria con la que maneja la luz, emplea
la técnica del tenebrismo creando grandes contrastes entre luces y sombras.
Caravaggio utiliza la luz para llenar de realismmo la escena y consigue
destacar violentamente las partes iluminadas sobre las que no lo están. Utiliza
luz artificial para construir la forma, introduce un foco de luz que,
normalmente, atraviesa el cuadro diagonalmente, con esto consigue resaltar los
personajes de la escena y, en muchas ocasiones, prescindir de fondos.
Caravaggio
utiliza personajes reales, sacados de la vida diaria, tanto para representar
temas religiosos como mitológicos. Así, los santos y apostoles son en realidad
campesinos y taberneros. De igual manera, viste a los santos y a Cristo con
ropas actuales y no con las túnicas habituales. Estos elementos hicieron que la
pintura de Caravaggio fuese rechazada por integrantes de la iglesia.
La
pintura de Caravaggio es dramática y violenta, rechaza el mundo clásico, ya que
lo considera que está alejado de la realidad. Su obra está dirigida hacia el
realismo y la verdad.
La
idea de la murte es dominante en toda su obra.Abre el camino a al pintura de
género, especialmente a la naturaleza muerta.
En la obra de
Caravaggio podemos distinguir dos fases:
·
La fase juvenil; hasta 1597. Su pintura
está llena de luz y fondos claros. Está hecha de una gran calidad cromatica y
trasparencia de las sombras, a base de claros toques de color y sombras
trasparentes. A este período corresponden: “Descanso en la huida a Egipto”, “
Magdalena y “Baco joven”.
·
A partir de 1597; su obra concentra el
aspecto coloristico y plástico. Configura plenamente el tenebrismo, utiliza un único foco de luz para resaltar
lo que más le interesa. Logra con esta luz loos mejores efectos espirituales.
Obras de esta etapa: “La crucifixión de San Pedro” “ La conversación de San Pablo”, “La muerte de la virgen” y “ El entierro de Cristo”.
COMENTARIO DE OBRAS
“La Madona de los
parafreneros”
El cuadro
representa a una madre con su hujo tratando de matar a una serpiente, pisándole
la cabeza. En la parte derecha del cuadro, también aparece una señora mayor
observándo la esecena.
La cara del
niño expresa dolor y asco por la situación. Sin embargo, la cara de la madre
expresa una gran tranquilidad.
Caravaggio
utilizaba los contrastes de luces y sombras para conseguir un mayor realismo y
tenebrismo. En este cuadro, la luz se introduce por la parte superior izquierda
atravesando el lienzo diagonalmente, esto consigue realzar a los personajes
sobre el fondo.
Los pliegues
en las ropas de la madre y en la cara de la señora aportan un mayor realismo al
cuadro.
Por otra parte,
también es importante la viveza de los colores empleados en las prendas de los
personajes del cuadro.
“ Judith y Holofernes”
Este cuadro
represeta una escena de gran tensión en la que la luz es utilizada de nuevo
para causar un mayor realismo y tenebrismo. En la escena, Judith está
degollando a Holofernes mientras una vieja sirvienta contempla la escena con regocijo.
La cara de la sirvienta, llena de asco y repugnancia, está cargada de expresividad,
y las arrugas y el gesto que mantiene aportan al cuadro el tenebrismo que también
es conseguido por la luz.
La cara de
Judith se contrapone totalmente a la de la sirvienta. Judith tiene un gesto de
dolor y miedo ante la situación. El artista contrapone en estos dos personajes,
no solo la expresión de sus caras, sino la belleza y la frialdad, la miseria y
la riqueza de la joven.
Por otra
parte, la cara de Holofernes está, también, llena de expresividad, representa
el dolor, el sufrimiento, la agonía.
Otro elemento
importante y que cabe destacar es la gran belleza y realismo con la que
Caravaggio pinta los pliegues de la ropa.
“David y Goliat”
El relato bíblico
que narra la disputa entre David y Goliat es representado en el cuadro. En la escena,aparece el joven
David sujetando la cabeza cortada de Goliat.
Caravaggio se
retrata a si mismo en la cabeza de Goliat. Esto demuestra los grandes tormentos
que pasó el pintor.
Como en todas
sus obras, la luz tiene un papel esancial en el conjunto de la obra. Los
contrastes entre luces y sombras convierten la obra en una escena tenebrosa.
En la cara de
Goliat se puede observar el gran sufrimiento y dolor que intenta trasmitir el
autor.
El cuadro es
de tipo naturalista y consigue un realismo perfecto.
Cabe destacar
de nuevo la facilidad de Caravaggio para pintar los pliegues de las ropas
La obra fue
pintada entre 1605 y 1606, en los últimos años en que vivió Caravaggio en Roma,
de la que huyó debido a que caía sobre él una condena de decapitación por
asesinato.
“El
sacrificio de Isaac”
Como
en muchos de los cuadros de Caravaggio, el tema que se representa es bíblico.
En este caso, es el sacrificio de Isaac. Abraham ofrece su hijo Isaac a Jahvé
demostrándole así su fe. En el cuadro aparece Abraham con un cuchillo disponiédose
a sacrificar a su hijo. A la izquierda, se encuentra un ángel.
El
contraste de sombras y luces en este cuadro es exagerado ya que sólo existe un foco
de luz, artificial, que ilunima desde una esquina
superior y atraviesa el cuadro diagonalmente. Esto realza violentamente a los
personajes de la escena.
Una
vez más, los pliegues de las ropas son dignos de admirar, la túnica de Abraham
está llena de estos.
S
igue el gran realismo de sus obras y su naturalismo.
“San Jerónimo”
En este cuadro aparece San Jerónimo escribiendo encima de
una mesa con una calavera encima de la mesa.
La luz vuelve en este cuadro a resalzar al personaje sobre
un fondo oscuro no iluminado.
Los pliegues en la ropa están como siempre muy bién
marcados y dan un gran realismo a la
obra.
La escena que no es
sólo la beleza de lo pintado tiene dobles signifcados y todos los elementos quieren
decir algo, la calavera ...
Es un cuadro de tipo naturalsta y con un gran realismo en
todos sus elementos y figuras.
“Los
Músicos”
En el cuadro se representan tres jóvenes músicos con una
guitarra. Estos jóvenes tienen un aspecto afeminado, una ambigüedad sexual. Los
jóvenes podían ser castrti dado a su aspecto afeminado. Este elemeto y algunos
otros reflejaban la posibles tendencias homosexuales de Caravaggio.
En el cuadro, el modelo se repite en los personajes, algo
que solía hacer Caravaggio.
Las ropas de los músicos están llenas de pliegues tratados
perfectamente por Caravaggio.
El manejo de las luces y sombras, aunque no se contrastan violentamente como en otros
cuadros, sigue siendo muy importante.
Naturalista y realista este cuadro de Caracaggio es como
casi todos una fotografia de la realidad.
Monografías
