El Cubismo
El cubismo es un movimiento
que se inicia hacia 1907 y cuyos principales representantes son Pablo Ruiz
Picasso, Juan Gris y Braque. Está basado en muchas corrientes y es uno de los
movimientos más importantes del siglo XX. El cubismo está influenciado por las
esculturas africanas. Los cuadros cubistas tienen muchos ángulos. Suelen ser
figuras geométricas. Las principales figuras geométricas que usan los pintores
cubistas son el cilindro, el cono y el cubo. El color es lo menos importante,
suele ser aleatorio. Este movimiento es una introducción a la pintura abstracta. El cubismo se inspiró en la obra
de P. Cézanne (quien afirmaba que todo en la naturaleza podía ser reducido a
formas geométricas) y de los posimpresionistas, y en el estudio del arte negro.
En el periodo pre-cubista se
recogen todas las corrientes anteriores y eso es lo que nos permite entender el
cubismo.
Los cubistas tenían conciencia
de que el hombre moderno se desplaza cada vez con mayor rapidez y,
consecuentemente, la idea que se forma de las cosas es compleja. Para traducir
toda esa complejidad pintan distintas caras de un mismo objeto, reuniendo en
una sola imagen lo que la mirada solo logra percibir sucesivamente. Resaltan
así la idea de “simultaneidad”. Los artistas
cubistas, al introducir una visión tridimensional del espacio, representaban de
forma simultánea varios aspectos de un mismo objeto visto desde todos sus
ángulos.
El cubismo representa una
ruptura con la pintura tradicional: desaparición de la perspectiva
(profundidad), utilización de una gama de color apagada (grises, tonos pardos y
verdes suaves), introducción de la visión simultánea de varias configuraciones
de un objeto (vista de frente y de perfil, por ejemplo) con lo cual desaparece
el punto de vista único y, finalmente, atención a la cuarta dimensión (el
tiempo) como un factor más de la pintura.
Hay dos etapas fundamentales
dentro del cubismo:
1) Cubismo analítico
Durante los años siguientes a
1907 Picasso, en colaboración con Braque realiza una pintura en la que la
realidad se va “analizando” y “descomponiendo” en múltiple elementos
geométricos, en planos parecidos a las composiciones cristalográficas.
En esta primera fase,
denominada cubismo analítico (1910-1912) y representada por Picasso y por
Braque, los objetos eran reducidos a sus formas básicas, descompuestos y
reconstruidos según su verdadera estructura en composiciones en las que el
color era un elemento secundario, de ahí que se utilicen sobre todo grises y
ocres, porque la atención no está en el color, sino en la forma. Al mismo
tiempo los objetos se descomponen por efecto de los múltiples puntos de vista,
y la luz parece actuar independientemente sobre cada una de las facetas
geométricas.
En esta etapa Picasso pinta obras
como “Cabeza de Mujer” (1909), “Muchacha con mandolina” (1910), “Retrato de
Kahnweiler” (1910), etc.
La introducción de “collages”
marca el final de este periodo inicial del cubismo.
2) Cubismo sintético
Hacia
1912-1913, se inició el período del cubismo sintético, representado, sobre
todo, por F. Léger y por J. Gris, quienes abandonaron la descomposición
prismática y buscaron mostrar, de modo simultáneo, la forma de un objeto visto
desde perspectivas diferentes y dieron de nuevo al color una mayor importancia;
una de las aportaciones más interesantes de este período fue la introducción
del «papier collé», que marcó el inicio de la técnica del «collage».
Hacia 1912 Picasso y Braque
inventan los “papiers collés”: trozos de diario, de papel pintado , de papel de
embalaje, pegados tal cual sobre un soporte y a los que añaden algunos trazos o
manchas de colores. Los “papiers collés” ayudan a Braque y Picasso a pasar de
la fase analítica a la sintética del cubismo. Esta etapa se caracteriza por utilizar
en el cuadro elementos nuevos y tradicionales (papel de periódico, óleo …). Los
planos geométricos se simplifican, las formas son más amplias y el color es más
rico.
En Picasso el “cubismo
sintético” está representado por “El jugador de cartas” o “Naturaleza muerta
verde”. En 1921, con su doble versión de los “Tres músicos” , crea unas piezas
culminantes del cubismo sintético
Una de las aportaciones de
esta etapa es la de el “Papier Collé”, que es el paso anterior al “collage”.
Pablo Ruiz Picasso
Pablo Ruiz Picasso, es
conocido vulgarmente como Picasso, apellido de su madre.
Nació un 25 de Octubre de 1881
en la ciudad española de Málaga. En estos momentos es una de las ciudades más
ricas. La clase social que predomina en esta ciudad es la burguesía. Esta
burguesía es bastante dinámica y es capaz de arriesgar el dinero , se preocupa por avanzar y
progresar, admitiendo en su ciudad artistas.
El padre de Picasso se llamaba
José Luis Ruiz Blasco y cuando nace Picasso tiene cuarenta años. Alto, esbelto
y rubio, es una persona alegre . Es profesor de la Academia de Bellas Artes de
San Telmo (Málaga). A parte de ser profesor es un pintor mediocre, cuya
especialidad es pintar bodegones. Los bodegones son un tipo de cuadro en el que
suele aparecer una mesa con algo encima, generalmente comida: un cesto de frutas, un plato con carne…. Los objetos que
están encima de la mesa están generalmente iluminados con una luz especial. El
resto del cuadro está oscuro. No suele haber demasiadas figuras en el
cuadro. Su padre es también conservador
del museo provincial. Entre lo que pinta su padre y lo que ve en el museo
provincial, Picasso va conociendo el arte de la pintura, y especialmente aspectos
del estilo de su padre que le influirán mucho a lo largo de su vida. También le
influyó mucho la luminosidad de la zona del Mediterráneo y Andalucía. Otra
característica de la pintura de su padre que impresionó a Picasso y que hizo
que más adelante pintara cuadros sobre ese tema , fue la afición de su padre a
los toros.
En los últimos años se ha
investigado la procedencia familiar del padre de Picasso y los datos
encontrados apuntan, no al País Vasco, como se había creído durante mucho
tiempo, sino a Castilla la Nueva y Aragón.
La madre de Pablo, María
Picasso López, era morena, de mediana estatura y tenía los ojos negros y muy
vivos. Su familia se había instalado en Málaga hacía ya mucho tiempo, sin que
pudiera establecerse un origen andaluz. El apellido Picasso resulta raro en
español por su ortografía, por su doble ese, y fueron sus amigos catalanes los
que comenzaron a llamarle Picasso, porque mientras Ruiz, por demasiado
corriente se prestaba a confusión, Picasso era un apellido único. En estos
cuadros pintados por Pablo podemos apreciar al padre y a la madre de él:
Pablo tiene dos hermanas: Lola
(1884), y Conchita (1887). Conchita era con quien mejor se llevaba y era su
hermana favorita.
En septiembre de 1891 su
padre, él y toda su familia dejan Andalucía para ir a vivir a La Coruña. A su
padre le dan un trabajo allí de profesor de un Instituto Local.
El impacto fue terrible: la
diferencia que hay entre la luz de Andalucía y la de Galicia es tremenda.
Galicia es mucho más triste, por lo tanto su luz es más apagada.
En Galicia empieza a pintar
unos cuadros con unas ciertas pretensiones, y aún era un niño. Hace dibujos y
folletos para periódicos y revistas. Tiene algún óleo pero no es muy bueno. En
esta época Picasso pinta con un estilo naturalista, todavía no se había
introducido en el cubismo.
También trata algo la
escayola, pero su principal ocupación fue siempre el arte de la pintura.
Viviendo en La Coruña, en
1895, muere su hermana Conchita, que era con la que mejor se llevaba. Más
adelante llama a su primera hija Conchita, en honor a su hermana. Podemos
situar su etapa de adolescencia en esta época. En la primavera de ese mismo año
a su padre le ofrecen una plaza en la “Llotja” (Escuela de Bellas Artes de
Barcelona).
En esos momentos Barcelona está
experimentando una ampliación, lo que se llama “el Ensanche”, que consiste en
que Barcelona deja de ser una ciudad más bien pequeña y se convierte en una de
las ciudades más importantes de España, sufriendo una gran revolución
arquitectónica. Barcelona no presenta las manzanas cuadriculadas, sino que se
moderniza cortando las esquinas de las casas de manera que los cruces de las
calles se amplían, y los coches pueden verse mejor. También pretendían hacer
unos jardines en el interior de las manzanas para el uso de los vecinos, y de
esta forma las casas estarían abiertas al exterior. En ese momento se
desarrollan los grandes trazados urbanos que conocemos hoy en día en Barcelona.
A Pablo no le cuesta ningún trabajo ingresar en la “Llotja” (Lonja),
donde trabaja su padre. Poco a poco se convierte en un pintor que triunfa.
Instala un taller y comienza a relacionarse con otros artistas con los que se reúne en un café llamado “Els Quatre
Gats”. Entre estos amigos se encuentra Juan Gris.
En esta primera etapa Picasso
pintaba con un estilo naturalista, aún no se había iniciado con el cubismo. A
esta época corresponde un cuadro llamado “La Primera Comunión”. Es un cuadro
bastante grande, y es el primer intento de Picasso de presentarse como un
pintor serio. La figura que aparece detrás es la del padre de Pablo, al que
utiliza como modelo porque en esa época no tiene suficiente dinero como para
pagar a uno. Está vestido de negro y bastante idealizado.
Otro cuadro de esta época es
“Ciencia y Caridad”, en el que vuelve a aparecer su padre. Este cuadro, más
bien grande, retrata una habitación con una cama, un médico en la cabecera de
la cama y una monja con una niña en sus brazos.
El médico es el padre de Pablo.
En medio de la pobreza se plantea ¿que es más importante, la oración o la
medicina que pueda salvar a la niña?.
Este cuadro, de estilo naturalista, se encuentra en el museo de Picasso
en Barcelona. En 1896 Pablo se traslada a vivir a Madrid y empieza a pintar sus
cuadros con un tinte de tristeza, el color azul. Sus pinturas son casi
monocromáticas y el color que predomina es el azul. Empieza con la época azul
que se caracteriza por la utilización del color azul en sus pinturas y la
abundancia de las sombras.
Un año más tarde, en Septiembre
del 97, se presentó a un examen para entrar en la Academia de San Fernando, en
Madrid. Esta es la mejor escuela de pintura en España. Se encuentra en la calle
de Alcalá. Aunque fuera la mejor escuela pictórica de España, Picasso no se
encontraba a gusto con la educación que allí recibía. En ese mismo invierno
deja la academia. Por esta razón, su padre y él, se enfadan. Su padre decía que
era la mejor academia y una gran oportunidad para llegar a ser un pintor bueno.
En esta época, Pablo deja de
pintar con un estilo naturalista y empieza a pintar con un estilo nuevo: El
Impresionismo. En 1898 sufre una latosa enfermedad en la que le salen manchas
de color rojo en la piel y se le inflama la garganta y regresa a Barcelona a
vivir con su madre.
Esta es época de desgracias
para España. Del gran imperio colonial de siglos anteriores, sólo quedaban las
últimas posesiones: Cuba, Filipinas y Puerto Rico, y éstas se pierden en l898
en guerra con Estados Unidos.
En la primavera de 1904 se
traslada a París y entra en una nueva época de su vida pictórica, la época rosa.
Así como antes el color que predominaba en sus pinturas era el azul, ahora el
color que más usa es el rosa. A partir de este momento, Pablo no usa el
apellido de su padre en la vida como pintor, sino utiliza el que se va mantener
a lo largo de toda su vida, el de su madre: “Picasso”.
Se instala en un barrio bajo llamado Montmarte. Se encuentra situado en
una colina, en París. En esta colina asesinaron a un obispo francés llamado
Dionisio. En el barrio hay una pequeña plaza muy bonita en la que varios
pintores se congregan y pintan juntos. La casa donde comienza a vivir en París
es un antiguo taller de pianos. Está en muy malas condiciones: un inmueble muy
malo, mala higiene…. Los franceses siempre llevaban pañuelos impregnados en
perfume debido a su mal olor.
A partir de 1907 , con el
cuadro de “Las señoritas de Aviñón”, deja los estilos Naturalista e
Impresionista y empieza con su principal estilo: el Cubismo. Para hacer este
cuadro y otros muchos de estilo cubista, Picasso se basó en las esculturas
africanas. En este cuadro aparecen cinco mujeres.
En realidad el sitio que retrata es la calle de Aviñón (el “carrer de
Avinyó”), calleja de mala fama de la Barcelona de entonces, a la cual iba
Picasso, que vivía muy cerca, a buscar papel y colores de acuarela. Estas cinco
mujeres parecen ser prostitutas. Para Picasso el color sigue siendo aleatorio,
siendo las pinturas casi monocromáticas. Busca principalmente la 3ª dimensión.
En esta época, Europa está
viviendo una mala racha. En 1914 empieza la 1ª Guerra Mundial. Los principales
países que participaron en la guerra fueron: Alemania, Austría-Hungría, Italia,
Francia, Gran Bretaña, Rusia, aunque ésta acabaría retirándose por culpa de su
guerra civil, y más tarde Estados Unidos. Fueron años de desdicha para Europa.
Murió mucha gente y los campos de cultivo y las ciudades tuvieron que ser
reconstruidas más tarde, cuando acabó la guerra, en 1918.
Debido a esto, los artistas se
vieron “obligados” a representar este horror en sus cuadros. Los artistas crean
opiniones. Pretenden plasmar el dolor y la angustia de los hombres en sus
cuadro, esculturas, escritos…. Los pintores, no pintaban belleza en sus
cuadros, sino horror, transmitiéndolo por medio de deformaciones en las
figuras. Esta manera de pintar transcurrió hasta casi el comienzo de la 2ª
guerra mundial.
En l9l8 se casa con Olga Koklova, que en esos
momentos era una bailarina rusa famosa y se relacionaba con gente muy
importante. Picasso también se relaciona por medio de ella con gente muy
importante. Años más tarde Picasso se cansó de ella y la acabó dejando. Se
dice, y en cierta manera es verdad, que las mujeres que dejaba Picasso se
volvían locas, incluso llegando a suicidarse.
Al acabar el romance con Olga
Koklova, se relaciona con una mujer muy joven que encuentra a la entrada de los
grandes almacenes Lafayette y que se llama María Teresa. Esto ocurre en l927.
Se cuenta que Picasso, al verla, le dijo: “Soy Picasso, vamos a hacer grandes
cosas juntos”. Esta mujer sirvió de modelo al pintor, y acaban enamorándose. Cuando el pintor la
conoce , Picasso tiene 45 años y María Teresa l7. Este amor entre Pablo y una
“menor” le creó problemas y pudo crearles aún muchos más.
En 1936 comienza un periodo de
la historia de España muy trágico: La Guerra Civil. Esta guerra ocasionó muchas
muertes de gente inocente, que ni sabían por qué los líderes del país se
enfrentaban. Muchas personas huyeron a Francia, Portugal y otros países que no
estaban en guerra. Todas las muertes que en la Primera Guerra Mundial no habían
tenido, se ven ahora compensadas con el desastre de la Guerra Civil. Los republicanos contra los nacionales con
Franco a la cabeza.
Otra de las múltiples mujeres
de Picasso es Jacqueline, que fue la mujer que más tiempo vivió con él. Ella ya
había tenido un hijo. Pertenecía a una familia humilde. Entre Picasso y
Jacqueline había mucha diferencia de edad. Esta mujer, trataba a Picasso muy
bien, y llegó un momento, en que se compenetraban tan bien que Pablo exigía que
Jacqueline estuviera con él cuando estaba pintando. Le hizo numerosos retratos
como a la mayoría de sus mujeres. Picasso, habitualmente, después de cenar se
ponía a pintar, y Jacqueline estaba con él muchas veces.
Cuando se casaron, en l96l, el
banquete de boda consistió en una cena de ellos dos con un invitado. Fue una
cena bastante pobre. El menú consistía en un puré con unos trozos de pollo y un
poco de fruta. El invitado brindó con leche y ellos dos con agua.
Picasso murió en Abril de 1973, a los 92 años. No dejó ningún
testamento y los familiares tuvieron que luchar para conseguir su fortuna.
Tuvieron que esperar ocho años para lograr que la fortuna de Picasso pasará a
manos de la familia. Picasso era un hombre muy rico. Había acumulado a lo largo
de su vida una cantidad de dinero muy grande.
El día del entierro, su nieto Pablo, hijo de su hijo Pablo, no aguantó
la situación y se bebió una botella de lejía acabando con su vida. Su padre,
hijo de Picasso, se convirtió en un alcohólico y murió poco tiempo más tarde.
María Teresa, una de sus amantes, no resistió la muerte de su amado y el 27 de
Octubre de 1977 se ahorcó en su habitación. Jacqueline, su mujer en el momento
de su muerte, se hundió en una
depresión y más tarde, el 15 de Octubre de 1986, se suicidó. Tenía 62 años.
Murió sin hacer testamento y toda la fortuna suya y de Picasso pasó a ser
posesión de su hijo único.
El Guernica
Durante la guerra civil
española, el Gobierno republicano encarga a Picasso un cuadro para la
Exposición Internacional de París que va estar situado en el Pabellón español.
Este cuadro, realizado en 1937, es el más significativo de los que pintó Pablo
Picasso y lo va a titular “Guernica”. Mientras España estuvo en guerra, Picasso
dejó el cuadro como depósito al Museo de Arte Moderno de Nueva York. Los
partidarios de la República pierden la guerra, saliendo vencedores los
nacionalistas, con Franco a la cabeza.
Cuando esta terrible guerra
finalizó, Franco estableció una dictadura con él al mando, y mientras Franco
estuvo en el poder, el cuadro permaneció en Nueva York. Tras la muerte de
Franco, el Gobierno de U.C.D intentó traer el cuadro a España, pero no le fue
fácil, y en un primer intento, no lo consiguió. En Nueva York, no querían que
el cuadro volviese a España, ya que tener el cuadro en uno de sus museos les
producía turismo y mucho dinero. Por eso se apoyaron en que Picasso había
pintado ese cuadro para la República y no para los nacionalistas. La familia de
Picasso se desentendió del tema. Sólo Paloma, una de las hijas de Picasso,
luchó por recuperar el cuadro que había pintado su padre y traerlo a España.
Esta mujer empezó a aparecer en la televisión y eso la hizo en cierta manera famosa. Al final, luchando mucho,
consiguen traer el cuadro a España.
El Guernica, refleja una
realidad que sucedió en un periodo de la Guerra Civil española. La matanza
tremenda realizada por la legión “Cóndor” de aviones alemanes que apoyaban a
Franco al bombardear la villa de Guernica. La ciudad fue arrasada y hubo
centenares de muertos. Guernica es una ciudad del País Vasco que fue una de las
más afectadas por la Guerra Civil española.
El valor de este cuadro no
está en su pintura, ya que no tiene nada de especial: es como casi todas las
del periodo cubista de Picasso: colores
monocromos…. Sin embargo, este cuadro es el que más valor simbólico tiene de
los que pintó, por eso es uno de los más importantes.
Picasso quiere reflejar en su
cuadro la tristeza y el horror de la guerra civil española, en especial lo que
pasó en Guernica. Las figuras son alargadas y parezca que tienen vida.
Este cuadro es uno de los
mejores estudiados gracias a Dora Maar que ayudó mucho a Picasso. Dora Maar es
una mujer que procede de Yugoslavia y su familia emigró a Argentina. Era muy
inteligente y leía mucho. Se dedicaba a sacar fotos a medida que Picasso
avanzaba algo en su cuadro.
Picasso, antes de pintar el
cuadro, realizó más de 150 estudios previos. El 3 de Enero de 1936 comenzó a
realizar los primeros bocetos del cuadro, y hasta mucho más tarde no empezó a
pintarlo sobre el lienzo.
Picasso tuvo un encargo de una
revista francesa de llamada “Minotauro”. Este encargo consiste en pintar las
portadas de esta revista: un minotauro. Un minotauro es un animal de la
mitología griega cuya cabeza es de un toro y el cuerpo mezcla entre humano y
toro.
Sus medidas son 7,28 x 3,51.
Se encuentra en el museo reina Sofía de Madrid. El Guernica tiene forma de
pirámide.
El 15 de Octubre de 1981 el
“Guernica” quedó instalado en el Casón del Buen Retiro de Madrid. Se encontraba
en una sala para él solo y tenía un cristal antibalas muy grueso (19 mm.)
colocado delante de él. Las medidas del cristal eran 7,5 x 2,5 de ancho. El
techo estaba acorazado, las vigas eran de acero y las medidas de seguridad muy
altas. La pared donde se encontraba el cuadro era blindada. Toda esta obra de
seguridad costó entre 20 y 30 millones de pesetas. Entre 1992-93 lo llevaron al
Museo Reina Sofía, donde se encuentra actualmente. Sin embargo, las personas
del País Vasco querían llevarse el cuadro a el País Vasco, porque decían que
les pertenecía. Bernard, uno de los administradores del cuadro y nieto de Olga
Koklova afirmó en una declaración que el cuadro no debería de moverse del Museo
Reina Sofía.
n Las
figuras:
- La mujer con los brazos en alto:
Esta figura representa a
la parte de la población que murió a causa del bombardeo de la legión de
aviones. El cuerpo de esta figura es de madera y da la impresión de que está
saliendo de una ventana que está ardiendo, en la que dentro hay bombas, con los
brazos estirados. Alarga las manos para expresar el movimiento de la caída.
Picasso coloca algunas partes del cuerpo: ojos, dedos y manos en forma de
remolina dando la impresión de movimiento.
Larrea, un escritor que ha
estudiado a Picasso, dice que esta figura representa a la comunidad de Cataluña
porque en este momento se esta hundiendo. Es una afirmación no muy segura, como
la mayoría de sus afirmaciones.
- La mujer con forma de diagonal:
Esta figura representa a las personas que intentaban escapar del horror
de la guerra. No todo el mundo fue capaz de escapar. Parece que está intentando
marchar del cuadro, salir hacia fuera. Las manos y los pies de esta figura son
my grandes. La línea diagonal forma el talón, el brazo y el cuello.
- La mujer del quinqué:
Esta figura está situada
en el cuadro encima de la anterior. Es una mujer que lleva en sus manos una
lámpara de aceite y mete sus manos en la casa por la ventana. Sus brazos son
muy largos y llegan hasta el centro del cuadro. El rayo de luz que despide la
lámpara de aceite se ciñe con la diagonal de la figura anterior. La cabeza de
esta figura tiene la forma de los bocadillos que aparecen en los T.B.O. Toda la
figura representa un grito: el horror del bombardeo. Lo curioso es que no esté
tremendamente emocionada.. la luz que empuña está junta a una luz y no alumbra.
Con esto está diciendo que con el esfuerzo de todos se puede descubrir la
verdad. Esta figura tiene unos bocetos previos llamados “Sueño y mentira de
Franco”, a esto se refiere con el quinqué. Se cree que esta mujer representa a
Dora Maar que iba por las noches a ver si Picasso estaba trabajando.
El escritor Larrea dice que
esta mujer representa a la mujer inteligente española. Es otra de sus
afirmaciones que probablemente no sean ciertas.
- La lámpara del techo
Esta lámpara tiene una
bombilla potente pero los rayos de luz aparecen cortados. No ilumina la
estancia.
- El caballo
Es la figura central del
cuadro. Todo el cuerpo está recubierto de piel menos la parte delantera que
está iluminada. Es una figura que está aguantando el equilibrio. Las patas
traseras son las que se mueven, mientras que las delanteras permanecen dobladas
por las rodillas. Es un animal de guerra, igual que el animal que aparece
encima, el toro. Estos dos animales en cierta manera están ligados. Este cuadro
se une también a la mujer que llora. El caballo está malherido por una lanza
que le está atravesando la panza. Esta lanza representa un acto de liberación:
exorcismo. El mal era la guerra civil española. La lengua de este noble animal
esta apuntando como si se dispusiera a matar. Tiene una herida abierta en la
panza y por eso gira la cabeza como expresando dolor. Representa a las víctimas
que padecen los efectos de la guerra.
Larrea afirma que este animal
representa al fascismo de Franco. Es una afirmación incorrecta.
Picasso en unas declaraciones
de 1945 afirmaba que esta figura representaba la libertad. Larrea le preguntó
si representaba el franquismo y Pablo le dijo que sí. En otras declaraciones,
Picasso afirmó que representaba a la libertad.
- El toro
Esta figura aparece de
perfil. El símbolo que representa es la constancia del pueblo, su capacidad de
insistir o de sobrevivir a los ataques del hombre. La cola del toro está
agitándose con furia, y su figura forma un edificio que cobija a una madre con
su hijo.
- La madre con el niño
Una mujer está debajo del toro y lleva colgado del brazo a su hijo muerto,
cuya cabeza cae sin resistencia. Se ve que está muerto: los ojos están quietos,
simétricos, sin vida, la boca la tiene cerrada. La madre no está herida pero
grita porque la muerte de su hijo le produce tal dolor como si la hubieran
herido a ella. Su lengua es como la del caballo, y su boca abierta se relaciona
con la del caballo y con la de la paloma que hay al lado del toro.
Larrea afirma que esta figura
es la central, y que representa a Madrid, aunque no es cierto. Dice que
“Madrid” se parece a la palabra
“madre”.
- La paloma
Está entre el toro y el
caballo. Se encuentra sobre una mesa y apoyada sobre un ala. Es el símbolo de
la paz y se encuentra al fondo del mural: la paz siempre viene al final. Es
oscura, y sus alas caídas tienen un paralelismo con los brazos caídos del niño,
ellos son lo más indefenso. Tiene un aire de desesperación, y su pico está
entreabierto en un grito de angustia porque es una paz truncada.
Larrea mantiene que se parece
más a un pájaro o a un pato pero que Picasso quiere que sea una paloma y de esa
forma la relaciona con la paz. Larrea en última instancia la relaciona con el Espíritu Santo.
- El guerrero muerto con el puñal roto
Está debajo del caballo.
Es el último personaje y es el único hombre, porque los hombres son los que van
a la guerra y no están por las calles, pero también le han matado cuando iba a
defenderse. Picasso nos lo presenta de forma fragmentada y a trozos. Está
decapitado y parece una escultura. La forma de estar decapitado sugiere que se
trata de una escultura de un héroe. A diferencia de los ojos del niño muerto,
los de este hombre están distorsionados y abiertos. La boca abierta indica que
ha muerto luchando y también el brazo expresa su lucha: tiene un puñal en su
mano y ese puñal está roto. Sin embargo de su puño sale una delicada flor que
queda situada en el centro del parte baja del cuadro, lo mismo que la luz de la
parte superior. Esta situación central nos habla de que la voluntad y la
capacidad del hombre pueden sobrevivir a cualquier destrucción, lo que nos
indica que Picasso creía ilimitadamente en el hombre.
La familia de Saltimbanquis
Se trata de una pintura al óleo
sobre lienzo. Sus medidas son 102 x 220 cm. Representa la parada de un circo ambulante
con el bufón grande, el arlequín romántico, un adolescente, dos chiquillos
acostumbrados ya a los ejercicios y una muchachita con una cesta de flores en
un desierto pedregoso que recuerda los del interior de Málaga. Este conjunto de
figuras se halla en el plano medio del cuadro, mientras que en un primer plano
aparece a la derecha la figura de una mujer de Mallorca, y hacia el fondo el
espacio se extiende sin límites.
Los colores y la luz de esta
gran obra que pertenece a la época rosa, son más cálidos que los de obras anteriores de la época azul. En esta
tela Picasso utiliza colores rojos rosas y anaranjado que son colores cálidos.
Picasso pinta este cuadro en
1905. Pertenece a la serie rosa en la que se suavizan los tonos, que son más
cálidos, utiliza colores ocres y rojizos y se especializa en personajes de
circo. Es una fase “clásica” de la pintura de Picasso. Esta obra se encuentra
en la National Gallery de Washington.
Esta tela nos sumerge en un
espacio y un tiempo sin límites, y nos transmite una suave melancolía. Nos
habla de la ternura de los saltimbanquis, de la vida errante, de un mundo
distinto y al margen de la sociedad establecida, que en definitiva es el mundo
del artista. Es lógico que el arlequín sea, a veces, el propio Picasso.
Tres músicos
Óleo sobre lienzo de 201 x 223
cm. Como su nombre indica, representa a tres músicos: un flautista, un arlequín
con guitarra y un monje que sostiene una partitura. El cuadro presenta planos
coloreados cortados geométricamente que dan lugar a una gran precisión. Esta
versión de los “Tres músicos” (ya que existe otra en el Museo de Arte de
Filadelfia con el título de “Tres máscaras músicas”) es algo más ancha que
alta. El flautista está a la izquierda, el arlequín en el centro y un mismo
plano azul construye los dos hombres, pero la mandíbula inferior del arlequín
central sobresale mucho de la boca. En la versión del Museo de Filadelfia, de
colores menos vivos, el arlequín flautista está en el centro, y
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