INDICE

INTRODUCCION.......................................................................................................... 2

RESEÑA DEL CINE.................................................................................................. 3

LA ESCUELA DE BRIGHTON.............................................................................. 4

LA HISTORIA DEL CINE (1)..................................................................................... 5

EL CINE COMO UN ARTE................................................................................... 5

LA HISTORIA DEL CINE (2)..................................................................................... 6

LA HISTORIA DEL CINE (3)..................................................................................... 8

LA HISTORIA DEL CINE (4)................................................................................... 11

LA HISTORIA DEL CINE (5)................................................................................... 16

EL CINE MUDO...................................................................................................... 19

Francia:................................................................................................................ 19

Alemania:.............................................................................................................. 20

Rusia:.................................................................................................................... 21

Estados Unidos:.................................................................................................... 21

España:................................................................................................................. 23

EL CINE SONORO.................................................................................................. 23

VERTIGO, la permanente actualidad de un clásico............................................. 24

CINEMATOGRAFÍA ............................................................................................... 25

TÉCNICA................................................................................................................. 26

Toma de vistas:..................................................................................................... 26

La Proyección:...................................................................................................... 27

El Sonido:............................................................................................................. 27

El Color:............................................................................................................... 28

La Pantalla:.......................................................................................................... 29

Sistema de Proyección:......................................................................................... 29

El Rodaje:............................................................................................................. 30

CONCLUSION............................................................................................................ 34

BIBLIOGRAFIA...........................................................................................................35

INTRODUCCION

Nuestras cronologías se refieren al siglo XX pero los comienzos del cine son a finales del siglo XIX. Hay múltiples experimentos e inventos previos al cinematógrafo (1895) de los hermanos Lumiére, un aparato que permitía la filmación y proyección de las imágenes. Deberíamos recordar el cinematógrafo (1891) de Thomas Edison y W. Dickson. Con él se podían registrar imágenes, pero era precisa otra máquina para el visionado, el cinetoscopio del propio Edison y Kichson, sin embargo este sólo servía para un visionado individual, lo que se reveló muy pronto como menos apropiado que el visionado colectivo. El cine suponía una verdadera revolución en su forma de representar la realidad, primeramente por su capacidad para reproducir el movimiento, eso era asombroso en aquellos tiempos, en segundo lugar porque con el cine se podía transcender a la muerte, esto es algo de lo que ahora no somos conscientes por nuestra familiaridad con las imágenes. Para los primeros espectadores la posibilidad de permanecer representado en la pantalla de una forma tan realista después de la muerte era algo fascinante, y aún hoy, si nos detenemos a pensarlo, no deja de ser una idea turbadora.

RESEÑA DEL CINE

Era una noche fría de diciembre, en el París de fines del siglo XIX. Los transeúntes apuraban el paso, ávidos de llegar a sus hogares. Pocos se detenían a mirar los afiches que anunciaban la presentación de un nuevo artefacto mecánico: el Cinematógrafo Lumiére.

En el sótano del Grand Café, en el Boulevard des Capucines, la actividad era frenética. Se montaba el proyector de la primera función de cine de la historia.

La concurrencia no fue muy numerosa; apenas 35 personas fueron testigos de aquella maravilla mecánica capaz de reproducir el movimiento natural en una pantalla. Pero, a decir de las crónicas, la experiencia fue inolvidable. Había nacido el cine y el público parisino le daba la bienvenida.

Entre los asistentes a aquella primera función se encontraba Georges Meliés, director del teatro de ilusionismo Robert Houdin.

Meliés afirma que quedó hechizado ante las imágenes que se le proyectaban: La llegada de un tren a la estación de la Ciotat, La salida de los obreros de las fábricas Lumiére en Lyon, entre otras vistas.

Meliés intentó adquirir un equipo, pero don Antoine Lumiére - padre de los inventores e inversionista del proyecto- intentó desanimarlo. En sus propias palabras "el aparato podría ser explotado durante algún tiempo como curiosidad científica, pero no tenía ningún porvenir comercial."

El tiempo demostró lo equivocado de estas palabras. Con su gran imaginación, Meliés se convirtió en el creador del espectáculo cinematográfico. Luego llegarían otros, como Edwin S. Porter, a sentar las bases del lenguaje del cine.

Al comenzar el nuevo siglo, el cine ya era una industria importante en los Estados Unidos y Europa. En pocos años dejaría de ser un espectáculo más y se convertiría en el arte del siglo XX.

LA ESCUELA DE BRIGHTON

Junto con Porter, Meliés y los hermanos Lumiére, un grupo de fotógrafos ingleses, capitaneados por William Friese-Greene, aportó una serie de elementos importantes al entonces incipiente lenguaje del cine.

Albert Smith, James Williamson y Alfred Collins, integrantes de la denominada "Escuela de Brighton" –en alusión a la ciudad costeña donde iniciaron sus actividades- fueron pioneros en el desarrollo de diversas técnicas fundamentales de la narrativa cinematográfica.

Algunas de ellas, como la sobreimposición de imágenes, fueron desarrolladas en paralelo a los descubrimientos de Georges Meliés; otras, como el travelling subjetivo o el campo y contracampo, no tuvieron equivalente entre los múltiples descubrimientos del famoso pionero francés.

LA HISTORIA DEL CINE (1)

La palabra cine es una abreviatura de cinematografía. A excepción de la radiodifusión, es el arte más joven, habiéndose creado desde unos principios rudimentarios hasta un alto nivel de logros estéticos y técnicos en la primera mitad del siglo XX, y llegando a ser una de las formas de entretenimiento más populares y baratas.

EL CINE COMO UN ARTE

La historia del cine como un arte comenzó cuando el francés Georges Meliés descubrió las posibilidades de los trucos fotográficos en el cine. Meliés fue quien introdujo la imaginación en la pantalla. Se dio cuenta del hecho de que la cámara podía hacer aparecer o desaparecer objetos vivos e inanimados o cambiarlos de forma. Introdujo un número de trucos de cámara: fundidos, doble exposición, cámara lenta y rápida... Un viaje a la Luna (1902) y El Viaje Imposible (1904) le aseguraron el puesto como pionero de la narración en la pantalla.

LA HISTORIA DEL CINE (2)

El Espectáculo. Mientras tanto el cine aprendió en otras esferas. En Francia en 1908 la firma Art Film produjo El Asesinato del Duque de Guise, una portentosa comedia con actores eminentes de la Comedia Francesa. En Italia en el mismo período pre-guerra el cine sabía a drama histórico: El Robo de los Sabinos, Los Últimos Días de Pompeya y Cabiria, echas entre 1912 y 1914 y dirigidas por Pastrone. Pero tuvo mucha más influencia la película Quo Vadis que se estrenó en América en 1913, en Broadway.
Quo Vadis influyó decisivamente en el que podemos llamar un genio: David Wark Griffith.  Desde 1908, con el cortometraje Las Aventuras de Dolly hasta 1914, con Judith de Bethulia experimentó con luces, cortes y movimientos de cámara. Después hizo películas como El Nacimiento de una Nación (1915) e Intolerancia (1916). Griffith convirtió la película en una forma narrativa con su propia estética: arte en movimiento. Movimiento no sólo de los actores, sino también de la cámara. Griffith cambia de unas escenas a otras, crea escenas con tomas a distintas distancias. Creaba ritmo variando la duración de las tomas.

Actores y Directores. Con Griffith llegó un nuevo concepto de actuar: no los marcados gestos tradicionales del escenario, sino los diferentes tonos que capta el ojo realista de una cámara. Es este período salieron muchos nombres famosos: Lillian y Dorothy Gish, Pearl White, Mary Pickford, Theda Bara,

Dr. Wriffith

Douglas Fairbanks y Rodolfo Valentino. Mary Pickford y Douglas Fairbanks fueron los primeros en presentar el tipo de heroína con Rebecca de la Granja Sunnybrook y Pollyana (1920). También vinieron Los Tres Mosqueteros (1921), Robin Hood (1922) y El Ladrón de Bagdad (1924). Después de la Primera Guerra Mundial aparecieron muchos directores americanos: Cecil B. De Mille, por ejemplo, creador de grandes espectáculos como Los Diez Mandamientos (1924) y Rey de Reyes (1927); Fred Niblo, director de Ben Hur (1925); Rex Ingram, conocido por su trabajo Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis (1921).  

LA HISTORIA DEL CINE (3)

Contribuciones Alemanas. Durante la Primera Guerra Mundial el cine americano hizo extraordinarios avances, mientras que Europa iba quedándose atrás gradualmente. Pero después de la guerra, nuevas fuerzas empezaron a funcionar en el Continente. Los primeros destellos aparecieron en una Alemania derrotada y amargada. En 1920 apareció en Alemania una película destinada a ser una de las más vitoreadas en toda la historia del cine: El Gabinete del Doctor Caligari. Fue el trabajo de un grupo de artistas dirigidos por Robert Wiene; cuando unos años más tarde empezó a circular fuera de sus fronteras su técnica expresionista causó sensación. El Gabinete del Doctor Caligari fue la primera de una serie de fantásticas y macabras historias del cine alemán de la post-guerra. En la misma línea fantástica estaba el énfasis en un trasfondo arquitectónico, notable en una recreación de Fritz Lang del mito alemán Los Nibelungos (1923-24) con sus estudiadas composiciones. En Metrópolis (1926), una fantasía moral sobre el tema capital contra trabajo, el mismo director usó modelos para crear el efecto de una gran ciudad. Mientras tanto, el cine alemán también estaba creando películas realistas. La Calle Lúgubre (1925) de G. W. Pabst impresionó al público por su completa repulsa contra cine bello y romántico. Y en La Última Sonrisa (1924) F. W. Murnau y Karl Mayer expusieron con frío salvajismo la dureza de la naturaleza humana. Esta película es digna de mención por contar una historia sin los títulos que normalmente usaba el cine mudo. En parte lo conseguía por los grandes movimientos de cámara. En los años 20, los alemanes empezaban a establecer el principio de que la cámara es tan móvil como los mismos actores, contribuyendo así a reforzar y flexibilizar la narrativa en la pantalla.

Rusia Soviética. Como el cine alemán, el cine soviético alcanzó su techo en los años 20, hacia el final de la era de cine mudo. Durante el período de fervor revolucionario que siguió al triunfo del bolchevismo, el cine estaba reconocido como un potente instrumento de propaganda. Lenin decía: "De todas las artes, la más importante para Rusia es, para mí, el cine". En 1924, S. M. Eisenstein produjo Golpe y en 1925 El Acorazado Potemkin. Con estas dos obras maestras puso en práctica la teoría de edición conocida como "montaje".
Potemkin y otros revolucionarios estudios que siguieron, como Octubre (1928) y La Línea del general (1929) trataron a la película como una composición estructural cuyo efecto dependía de la proporción y distribución de sus partes. El movimiento que es la base del cine aquí se producía no por movimientos de cámara, sino mediante el recorte: recorte rápido con muchas tomas cortas para representar movimiento agitado; recorte lento con tomas de mayor duración para reflejar pasajes tristes. Eisenstein y V. I. Pudovkin elaboraron, aparte del recorte rítmico, la práctica de recortar por contraste. Cuando vino el sonido intentó una mayor elaboración de la estructura con Alexander Nevsky (1938) y especialmente con Iván el Terrible (1944), creando un contrapunto con la orquestación de voz, música e imagen visual. Pudovkin dio más énfasis al individuo; sus Madre (1926), El Final de San Petersburgo (1927) y Tormenta Sobre Asia (1929) tenían una forma simple de narrativa y una sombra de sentimiento romántico que las hacía acercarse algo al cine occidental. En este período fueron importantes también las películas del ukraniano Alexander Dovzhenko Arsenal (1929) y Tierra (1930).

Robert Wiene

Otros países europeos. Los años 20 también trajeron contribuciones de importancia desde otros países. En Francia estaba el grandioso talento de Abel Gance en películas como J'accuse (1919), La Calle (1921) y Napoleón (1927), que se proyectaba en una pantalla tríptica que mostraba tres imágenes diferentes a la vez. Una de las mejores producciones francesas de este período fue La Pasión de Juana de Arco (1928), dirigida por Carl Dreyer, cuya reputación se acentuó en los años siguientes. Suecia también tenía directores famosos, como Victor Seastrom con El Alma Atestiguará (1920) y Maurice Stiller con La Redención de Gösta Berling (1924). El cine sueco destacaba por su uso lírico del paisaje natural. En Inglaterra dos pioneros, Cecil Hepworth y George Pearson, lucharon contra la apatía del gobierno.

LA HISTORIA DEL CINE (4)

La llegada de las películas sonoras. En América los años 20 fueron un período de grandes favoritos populares. Chaplin estaba a la altura de su genio (El Chico (1921), El Peregrino (1923), La Fiebre del Oro (1925), El Circo (1928). Rivalizaba con otros brillantes comediantes mudos: Harold Lloyd (El Novato, Seguridad al Final, El Rápido); Buster Keaton (El Navegante, Bill del Barco de Vapor, Jr., El General). En la otra punta de la escala estaba la extraordinaria mente cínica de Erich von Stroheim (Esposas Necias (1922), Codicia (1923)). Este fue el período de importación de talento de Europa: directores como Seastrom y Stiller (que trajo consigo a Greta Garbo), Ernst Lubitsch y Murnau. Pero pronto iba a venir un rival más revolucionario. En octubre de 1927, El Cantante de Jazz, la primera película con voz y música sincronizadas, se presentó al público. La estrella, Al Jolson, se hizo famoso en una noche: las películas sonoras han llegado.

Para las audiencias que han nacido con el hábito del cine sonoro, el cine mudo (aunque siempre acompañado por músicos en vivo) puede parecer una pieza de museo. Pero fueron los años de formación, cuando en poco más de un cuarto de siglo se pusieron los fundamentos de un nuevo arte. Al princpio el cine sonoro amenazó a esos fundamentos. Los métodos de narrativa adquiridos con tanto dolor fueron olvidados temporalmente; se olvidó el arte del contar historias mediante el movimiento y la edición, y por un tiempo el cine se convirtió en un mero teatro fotografiado.

Pero gradualmente el cine recuperó su equilibrio, y el sonido se convirtió en el esclavo en vez del maestro de la pantalla. Era de esperar que algunos de los primeros éxitos se dieran con películas con un elemento musical: por ejemplo Whoopie (1930) con Eddie Cantor o La Calle de los Cuarenta Segundos (1933) de Lloyd Bacon, ambas preludios de la línea de musicales americanos que incluiría las grandes actuaciones de Fred Astaire y Ginger Rogers y, más tarde, de Gene Kelly. Pero pronto el cine de acción dramática cobró nueva vida del diálogo. EL cine sonoro revolucionó la distribución internacional. En los días del cine mudo los títulos impresos se podían dar traducidos. Ahora el lenguaje se convertía en una barrera. En esta crisis, el cine americano, que ya poseía el genio para la acción rápida y fácil de entender, fue el ganador. Durante los años 30 los productos de Hollywood eran populares en todas partes. Este fue el gran período de las películas de gangsters, de Caracortada, Pequeño César y Calles de Ciudad, el período en el que actores de papeles violentos como James Cagney, Humphrey Bogart, Paul Muni y Edward G. Robinson estaba en su salsa; el período también de protesta: contra las brutalidades de la ley (Soy un Fugitivo de una Banda Organizada), contra la intolerancia (No Olvidarán) o contra la guerra (Todos Callados en el Frente Oeste). En todas partes eran aplaudidas las comedias americanas: las comedias románticas de Franck Capra (El Señor Proezas va al Pueblo, Pasó una Noche); las comedias anárquicas de los Hermanos Marx y W.C. Fields; las comedias inconsecuentes (La Luna con Tres Esquinas, Educar a un Niño, La Fea Verdad) que pusieron un nuevo estándar en elegancia en actuación y dirección. Claudette Colbert, Carole Lombard, Irene Dunne, Bette Davis, Jean Arthur, Myrna Loy, Katharine Hepburn, Cary Grant, Spencer Tracy, William Powell, Gary Cooper, Clark Gable, las estrellas de nombre en aquellos días nunca han sido eclipsadas. El catálogo de talentos creció más al venir actores desde Europa como Marlene Dietrich y directores como Fritz Lang. Y en la esfera de los dibujos animados Walt Disney logró un lenguaje universal creando, especialmente en sus largometrajes (Blancanieves y los Siete Enanitos, Pinocho, Dumbo) una armonía de música, color y movimiento.
En Gran Bretaña, mientras tanto, se estaba haciendo un esfuerzo desesperado para salvar el cine nativo de ser engullido por las importaciones de los Estados Unidos. Hacia el final de los años 20 se puso una cuota que decía que una cierta proporción del programa de cine debía ser británico. Algunos directores británicos jóvenes estaban preparados para aprovechar sus oportunidades. Entre ellos Anthony Asquith, director de La Cabaña en Dartmoor y después, en colaboración con Leslie Howard de la famosa versión de Pygmalion. Alfred Hitchcock dirigió una exitosa serie de thrillers, desde Correo Negro hasta Los 39 Pasos y La Chica Desaparece; mientras, el productorMichael Balcon continuaba sosteniendo la inductria británica. El intento más ambicioso para competir con Hollywood lo hizo Alexander Korda, quien en 1933 fue responsable de la sofisticada La Vida Privada de Enrique VIII, que atrajo interés internacional e hizo de Charles Laughton un nombre internacional. A la larga los intentos de entrar en el mercado americano serían infructuosos. La pantalla británica estaba naciendo. Directores jóvenes (Carol Reed, Michael Powell) y actores jóvenes, la mayoría desde el teatro (Laurence Olivier, Ralph Richardson, Michael Redgrave, Robert Donat, Leslie Howard).

En Europa el cine estaba estrangulado por la política; el fascismo en Italia y el nazismo en Alemania. En Fra