Igor Stravinsky

Algunos críticos e historiadores consideran que Igor Stravinsky fue un subversivo^{^[1]}, y para ellos �La Consagración de la Primavera fue una clara muestra de la forma de subvertir el "cómo sentir y manifestar este sentimiento en una composición". Esta creación nos hace suponer como Igor llega al placer de romper los convencionalismos establecidos; en su época, este rompimiento significó para el público parisino, un cataclismo artístico, una afrenta, un insulto a lo establecido. Pero fue la puerta que permitió la entrada de la música vanguardista. Muchos compositores han inventado nuevos métodos de composición y han tratado de llevar a las aulas sus teorías y prácticas; pero Igor Stravinsky, a través de su originalidad y brillantez sin igual, dominó las tendencias de la música contemporánea; para muchos es el maestro de todas.

Stravinsky consideraba que la música era un don natural que debíamos forzar en la búsqueda creativa; ahora bien, ¿era éste su postulado básico para su creación?. �Ciertamente, si este compositor hubiese adoptado un basamento dogmático no existirían obras como Historias de un soldado y Petrushka, y el ballet se habría perdido de uno de los genios creativos más grandes de la historia.

Según Routh[2], todos los compositores jóvenes en la etapa de aprendizaje, siguen algún modelo y tratan de imitarlo, sin dejar de reconocer sus propios aportes, y Stravinsky los tuvo en su etapa de madurez como elección y necesidad artística, no tomando sólo una obra o un estilo sino "toda una tradición cultural". El poder compositivo de Stravinsky es el poder chocar con los límites, es encontrar la forma de instituir un nuevo modelo de composición.

Se cuenta que en 1.966, Leonard Bernstein, después de dirigir espectacularmente La Consagración de la primavera, se acercó apresuradamente a Stravinsky y se arrodilló ante él, a modo de dramático homenaje. �El maestro reaccionó diciendo bruscamente: "Lenny, todos tus tiempos estuvieron mal." Que dice esta anécdota acerca de la personalidad de Igor? Adentrémonos en detalles de su vida y por supuesto su obra, para conocer este gran hombre de la música.

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SU VIDA

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Igor Fiodorovich Stravinsky nació en Oraniembaum, San Petersburgo (Rusia) el 17 de junio de 1882. Su madre era una afamada cantante de ópera y su padre era un bajista del "Mariinsky Theatre" de San Petersburgo, por esta razón, Igor viajaba continuamente entre esta ciudad y la casa donde residía con su familia. De niño recibe clases de piano de Melle Kashperova, alumna de Anton Rubinstein (1829-1894) y de armonía y contrapunto de profesores particulares, ya que no asistió nunca a un conservatorio musical, pues sus padres querían que fuese abogado. Por eso en 1901 ingresó en la Universidad de San Petersburgo para estudiar derecho, y en ella permaneció hasta 1905.

Igor y Rimsky-Korssakov
Sus conocimientos musicales le facilitaron que pudiera estudiar composición entre 1902 y 1908 con Nikolai Rimsky-Korsakov (1844-1908) de quien aprendió análisis musical e instrumentación. �Este maestro influenció sus primeros trabajos musicales, así como también Debussy, Tchaikovsky, Borodin, Glazunov o Dukas.

En 1906, contrae matrimonio con su prima Katerina Nossenko. De esta unión nacieron Fiodor (1907) y Ludmila (1908).

En 1909 el empresario del Ballet Ruso, Sergei Diaghilev, se fija en él al estrenarse sus obras Fuegos de Artificio y Broma Fantástica en San Petersburgo. Queda Diaghilev tan entusiasmado con su composición que le encarga la orquestación de dos piezas de Frederic Chopin que serán utilizadas para un ballet: Las Sílfides. También le encargó una partitura original, cuyo resultado sería Pájaro de Fuego en 1910.

En este último año Stravinsky se traslada a París junto con la compañía del ballet ruso, permaneciendo mucho tiempo en Francia desde entonces. Los años antes de la guerra los aprovecha para viajar por toda Europa; en Berlín conoce a Arnold Schoenberg (1874-1951) y escucha su Pierrot Lunaire, conjunto de versos patéticos donde la orquesta de cámara acompañante utiliza una combinación de instrumentos distinta para cada una de las 21 canciones del ciclo y el solista vocal utiliza el Sprechstimme (en alemán, voz hablada) o el Sprechgesang (canción hablada), una mezcla de discurso y canción.

Stravinsky continúa asociado con Diaghilev en varias ocasiones: en 1911 para el ballet Petrushka y en 1913 para la famosa La Consagración de la Primavera. Con el comienzo de la I Guerra Mundial en 1914, Igor se refugia en Suiza donde pasa por calamidades económicas; de ellas puede salir gracias a la ayuda que recibe de Sir Thomas Beecham, uno de los más célebres directores de orquesta británicos. Con todo, continúa su relación con el ballet ruso de Diaghilev, visitando España en 1916. En Suiza trabajó en composiciones de menor escala: piezas de cámara, canciones y obras para piano.

La Revolución de Octubre de 1917 en Rusia le impide regresar a su país por lo que ya en 1918 decide junto a el poetra Charles-Ferdinand Ramuz, que también necesitaba dinero, crear una serie de piezas que pudieran ser representadas con un pequeño grupo de instrumentistas; nace así la Historia de un Soldado, una obra de escena para conjunto camerístico, actores y un bailarín. También cultivó su carrera como director -la mayoría de las veces dirigiendo interpretaciones de su propia música- y fue de gira por los centros musicales de Europa y América tras acabar la guerra. Finalizada ésta en 1920 regresa a París. De esta época su obra más importante es Las Bodas, aunque nada más llegar a la capital francesa comienza a trabajar en la Sinfonía para Instrumentos de Viento. Al año siguiente, 1921, visita de nuevo España junto a los ballets rusos.

Los problemas económicos de Stravinsky continúan por los que hacia 1925 decide compaginar la composición con la interpretación. De esta forma verán la luz varias piezas y conciertos para piano. Poco después, en 1926, padece una crisis religiosa que le hace poner su vista en la composición de obras sacras. Esta etapa de su vida culmina con la Sinfonía de los Salmos.

Stravinsky conoce en 1931 al violinista Samuel Dushkin; tal vez este encuentro explica las composiciones para violín y piano de esta época. Entre éstas se destaca como la más importante el Dúo Concertante para Violín y Piano. En 1934 adopta la nacionalidad francesa.

En 1935 realiza una gira de conciertos por los Estados Unidos de América en la que estrena Jeu de cartes. �Para el año 1939, fallece su esposa Katerina y Stravinsky contrae matrimonio con Vera de Bosset con la que ya mantenía una relación desde 1920; este mismo año viaja a Nueva York aunque se terminará estableciendo en Hollywood. De esta fecha data la Sinfonía en Tres Movimientos estrenada en 1946. �

Algunos historiadores señalan que la falta de seguridad que Rusia ofrecía por los derechos de autoría convence al compositor de adoptar la nacionalidad estadounidense en 1945, y entre este año y 1950 revisa muchas de sus obras anteriores en un intento de que queden todas bajo la legislación americana. Se decía que Stravinsky podía, con tan sólo añadir o modificar una nota en sus partituras resolver el litigio sobre el copyright. �Como director de orquesta Stravinsky comienza en 1958 una gira de conciertos, al tiempo que compone Threni, id est Lamentationes Jeremiae Phophetae.

Stravinsky regresa a Rusia en 1962 siendo extraordinariamente recibido, aún así, regresa a los Estados Unidos donde tendrá los primeros síntomas de su enfermedad en 1967. Dos años después, 1969, abandona Hollywood para trasladarse a Nueva York, allí morirá el 6 de abril de 1971. �El cuerpo del compositor fue enterrado en Venecia junto a la tumba de su gran amigo, Diaghilev.

Siempre estuvo preocupado por su salud, lo que se llama ser hipocondríaco; como ejemplo, en 1934, poco después de que su hijo mayor, tuviera que ser operado de apendicitis, Stravinsky se hizo extirpar su propio apéndice sano "como precaución".

El entorno de trabajo de Stravinsky nos da idea de su genio. Trabajaba de nueve a doce horas todos los días de la semana. Su estudio estaba organizado rigurosamente: pianos, un escritorio con retratos de familia de Rimsky-Korsakov, una mesa de trabajo con montones de papeles, plumas, tinteros, gomas de borrar, tijeras, un cronómetro, pegamento y un diván para la siesta de la tarde. No podía dormir sin una luz encendida fuera de su dormitorio ni trabajar si pensaba que alguien le estaba oyendo tocar. Se ponía tan nervioso al actuar en público que una vez se le olvidaron las notas de su propia composición.

SU OBRA

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Las primeras obras de Igor Stravinsky exhiben las influencias de Wagner, Debussy y Rimsky-Korsakov, pero a medida que progresaba añadía elementos eslavos y rusos a su música, así como ritmos que sólo él componía y comprendía. Fue un genio del ritmo y la textura musical; como su contemporáneo Pablo Picasso, tuvo un efecto cataclísmico sobre la cultura occidental que se extendió sobre tres generaciones. Su creatividad en la construcción tonal sigue siendo incomparable, y su dominio del ritmo y las tonalidades exóticas convierte su música en la experiencia más poderosa, excitante y desconcertante que un oyente puede encontrar. �Figura como el primer compositor para la escena, no sólo por sus ballets, sino también por sus óperas. También se le admira por su música de cámara y por su obra Sinfonía de los Salmos, considerada obra maestra en la composición coral.

En el siglo XX la aportación de otras culturas provocó uno de los mayores avances instrumentales en la percusión. Un nuevo tratamiento del ritmo ha resultado ser el ingrediente idóneo para el florecimiento instrumental. Tradicionalmente el papel ejercido por la percusión en una orquesta había estado delimitado por el discurso musical de cada época, con una función eminentemente rítmica y claramente dominada por otras familias instrumentales (las cuerdas y los vientos). La preocupación del compositor del siglo XX por incorporar nuevos sonidos convirtió a la percusión en un elemento de primer orden, gracias a las enormes posibilidades expresivas que ésta puede desarrollar tanto dentro de la orquesta como en agrupaciones de cámara. �Este recurso es ampliamente utilizado por Stravinsky, tanto así que algunos críticos llegan a afirmar que el compositor utilizaba la orquesta como un gran instrumento de percusión.

Stravinsky entabla amistad con Robert Craft en 1947, un joven director de orquesta que le introduce en la música de Schoenberg y del dodecafonismo en general y que hace que por primera vez el compositor se interese en el serialismo marcando de alguna forma sus siguientes producciones. Tres años después, 1950, firma un contrato con la Columbia Records gracias al cual se realizan muchas grabaciones de sus obras dirigidas por él mismo.

Su música y el arte

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El genio de Igor era inagotable; siempre decía que recorrer el mismo camino era retroceder. Por eso no asombra descubrir todas las facetas musicales que acometió. Por ejemplo, realiza una cantata y unas curiosas canciones con textos de poesía japonesa y del poeta Constantin Balmont. En todas estas obras se puede ya apreciar una clara evolución del estilo del compositor hacia cotas más personales y desligadas de reminiscencias anteriores. Se vuelve más rítmico que armónico. Se puede apreciar más claramente el cambio en su ópera china El Ruiseñor.

La música de Stravinsky imprimía a su orquesta sonoridades difíciles de explicar, producto de la riqueza de los ritmos empleados. Su obra �está unida a la evolución del ballet, pues fue este compositor quien le dio, en primera instancia, a dicha actividad artística un valor real e independiente de la ópera y de la música sinfónica.

La aportación específica de Stravinsky a la música de ballet, se inicia con el estreno de El Pájaro de Fuego, en junio de 1910, en París; obra de un deslumbrante colorido musical.

Etapas de su producción musical

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Diversos historiadores y críticos musicales están de acuerdo en dividir la producción musical de Stravinsky en tres períodos:

1. Periodo Ruso. Este incluye obras sumamente impactantes; en ellas Stravinsky toma como modelo la cultura y la música rusa. Entre las composiciones que podemos mencionar se encuentran El Pájaro de Fuego (1910), Petrushka (1911) y La Consagración de la Primavera (1913). La influencia de su maestro Rimski-Korsakov es innegable en estas obras. En adición, el compositor creó impactantes y a veces hasta violentas reacciones de su audiencia debido a que trató el aspecto rítmico y armónico de una forma nunca antes utilizada hasta ese momento. Encontramos compases asimétricos, cambios de métrica, instrumentos expuestos en su registro extremo y una extraordinaria percusión que influenciaría a prácticamente todos los compositores del siglo XX.

Si revisamos Petrushka, (ballet en 4 escenas) notamos que contiene bloques de una armonía estática a la vez que patrones melódicos y rítmicos repetitivos. Cada cambio sucede abruptamente para identificar a cada grupo de bailarines. Igor utiliza bastante la elaboración y citas de temas folklóricos. El mismo Stravinsky dijo en una ocasión, que el acorde fragmentado de Petrushka casi al comienzo de la segunda escena, podía ser explicado como una sobre posición de 2 tonalidades. Teóricos recientes han descrito este acorde como uno de los usos frecuentes del compositor de la escala octatónica (disminuida): C-C#-D#-E-F#-G-A-A#, pero con D# y A omitidas. Esta obra también contiene innovaciones rítmicas (como La Consagración de la Primavera), por ejemplo al final de la tercera escena la métrica cambia de 4/8 a 5/8 a 6/8 a 5/8 y los silencios toman el lugar de los tiempos fuertes tradicionales.

2. Periodo Neo-Clasicista. La crisis económica que produjo la Guerra Mundial en los años 1913 al 1923 obligó a Stravinsky a cambiar la orquesta gigantesca por combinaciones de instrumentos más pequeños para acompañar sus trabajos teatrales. La obra La Historia de un Soldado (1918) cuenta con instrumentos solista en pares (violín-bajo, clarinete-fagot, trompeta y trombón) y una serie de instrumentos de percusión interpretados por un solo instrumentista. En La Boda (Les Noces, 1917-23) compuso para 4 pianos y percusión. El término neo-clasicismo se le atribuye por tomar sus composiciones una remembranza hacia la música absoluta (contraria a la música programática). Abandona la música folklórica rusa y toma de referencia la música del occidente, de épocas anteriores. El trabajo que marcó el inicio de esta época lo fue Pulchinela, un ballet comisionado por Diaghilev pero utilizando de referencia la música de Giovanni Pergolesi, reestructurando una serie de movimientos de forma Sonata. Otros modelos que tomó lo fueron el estilo contrapuntístico de J.S. Bach en su Octeto, los conciertos de este mismo compositor en su Concierto para Piano y Vientos (1924), de P. Tchaikovsky en el ballet Le Baiser de la fée (1928), e inclusive a la misa de Guillaume de Machaut en su Misa de 1948.

También podemos mencionar obras de gran impacto como su Sonata para Piano (1924), Serenata en La (1925), Sinfonía en Do (1940) y la Sinfonía en Tres Movimientos (1945). Estos trabajos son mayormente diatónicos y se mantienen en áreas y centros tonales. En la Sinfonía en Do Stravinsky sigue la forma Sonata tradicional del periodo clásico.

3. Periodo post-Neo-clasicista o Dodecafónico. Esta época comprende desde la década de los 50 hasta su fallecimiento en 1971. Aquí el compositor adapta gradualmente y juiciosamente algunas de las técnicas de la escuela Vienesa de Schoenberg y sus seguidores. �Algunas obras de este periodo lo son el Septeto (1953) la canción In memoriam Dylan Thomas (1954), el ballet Agon (1954-57) y Threni (1958).

LA CONSAGRACIóN DE LA PRIMAVERA

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Tal vez al ver el título de esta obra, muchas personas, antes de oírla piensan en el Allegro de la Primavera, uno de los movimientos más escuchados y reconocidos por cualquier oyente occidental de Las Cuatro Estaciones de Antonio Vivaldi, probablemente el primer ejemplo de música que sigue algún tipo de argumento o programa. Cuando escuchamos el primer movimiento de la Primavera de Vivaldi, es muy fácil sentirnos transportados a este alegre tiempo: los violines evocan muy acertadamente a los pájaros, y los truenos de una repentina tormenta es magistralmente ilustrada por los chelos.

La Consagración de la Primavera, ballet creado por Igor Stravinsky, tiene un carácter muy diferente. En este caso, la llegada de la primavera se festeja de un modo bastante peculiar. Stravinsky diseña una obra llena de grandes recursos rítmicos, totalmente alejada de los cánones clásicos establecidos.

El Teatro de los Campos Elíseos de la ciudad de París se preparó el 29 de mayo de 1913 para la presentación de este ballet, realizado para el empresario ruso Serge Diaghilev, quien quería rendir un homenaje a su tierra natal con la creación de una obra que girase en torno a las tradiciones de la Rusia ancestral; la interpretación coreográfica estaba a cargo del bailarín Vatzlav Nijinsky y la dirección a cargo de Pierre Monteux. �El estreno de esta obra fue prácticamente un caos, ésto a pesar de que en los ensayos no se veía ningún tipo de reacción violenta ni tampoco intimidación por parte de los músicos. Desde los primeros compases de la obra se escuchaban voces en protesta de parte del público y cuando las cortinas suben justo para La danza de las Adolescentes, estalló la tormenta.

Caricatura de Stravinsky y el ballet de Nijinsky
Ya de por sí, el argumento resultaba bastante fuerte para la época: se narraba el sacrificio ritual de una joven virgen elegida para celebrar la llegada de la primavera, la cual debía bailar hasta la muerte ante su tribu. Así lo cuenta un cronista de la época: "... Cuando se encendieron las luces de la sala empezó una batalla campal en toda regla, en la que incluso tomaron parte las damas. Se concertaron varios duelos que al día siguiente se llevaron a efecto...", mientras que una espectadora relata: "con la música y la danza empezaron los silbidos. Los partidarios aplaudieron. No podíamos escuchar nada en absoluto... un hombre del palco contiguo no hacía más que blandir su bastón y se enzarzó en un violento altercado con un entusiasta del palco de al lado: el bastón aplastó la chistera que el otro acababa de ponerse". El empresario encendía y apagaba las luces intentando disuadir a unos y a otros de su enfrentamiento, y por si acaso, avisaba a la policía. El compositor abandonaba la sala y se refugiaba entre bastidores.

Después del alboroto, los protagonistas principales de esta historia -Stravinsky, Diaghilev, Nijinsky, Cocteau,...- se sintieron "excitados, furiosos, hartos y... felices", según cuenta el compositor. �"Exactamente lo que yo quería", dicen que afirmó el empresario. Sin embargo, un año después, el público aclamó la obra.

El artista Jean Cocteau[3] llamó a esta obra como "un pastoral del mundo pre-histórico". El escándalo iba en aumento. Una señora se levantó de la silla de su palco para pegar un bofetón a un caballero que silbaba. El compositor Camille Saint-Sa�ns denunciaba al compositor por farsante, y lo mismo André Capu, el conocido crítico. Maurice Ravel, en el lado opuesto, proclamaba a gritos que el ballet era obra de un genio. El embajador de Austria se reía de una manera ostensible, y Florent Schmitt[4] lo insultaba llamándole estúpido. La princesa de Portualés se puso de pie exclamando: "tengo sesenta años, pero es la primera vez que alguien se ha atrevido a burlarse de mí". En medio del barullo, Claude Debussy suplicaba vehementemente al auditorio que guardase silencio para que se pudiese oír aquella música maravillosa [...].

En esta obra, Stravinsky realiza una gran experimentación tímbrica, llevando hasta el límite las posibilidades expresivas de los instrumentos, además de ser una obra llena de recursos rítmicos y percusivos; del inicial gemido lastimero del fagot la orquesta es lanzada a producir un efecto martilleante, a tal punto que, la misma semeja un gigantesco instrumento de percusión. Stravinsky utiliza síncopas, poli ritmos y combinaciones irregulares de figuras de una forma novedosa y temeraria. �

El impacto de Stravinsky sobre la música occidental comenzó con el estreno de La Consagración de la Primavera y se afianzó con el correr de los años. Su trabajo cuestionó las bases sobre las cuales se había estructurado la música occidental hasta ese momento (la consistencia armónica, el desarrollo métrico y temático, el sistema de tonalidad mayor y menor, entre otros). �

OPINIONES Y ANÉCDOTAS

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Stravinsky el crítico

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• "Me gustaría que todas las óperas de Strauss fueran admitidas en cualquier clase de purgatorio donde se castigue la trivialidad triunfante. Su esencia musical es vulgar y pobre, en la actualidad no pueden interesar a ningún músico [...] Me agrada que los músicos jóvenes de la actualidad hayan aprendido a apreciar la calidad lírica de las canciones de ese compositor que Strauss despreciaba, un compositor que es mucho más significativo para nuestra música que él: Gustav Mahler."

Así opinaba Igor Stravinsky de Richard Strauss (aunque no fue el único que lo tildó de vulgar). Este comentario muestra lo duro que era Igor cuando opinaba de una obra o estilo que no era de su agrado.

• De Vivaldi dijo Stravinsky que no había escrito quinientos conciertos sino quinientas veces el mismo concierto, debido a que el compositor italiano tenía un peculiar estilo que lo hace inconfundible y asemeja sus obras entre sí. No obstante esta opinión Stravinsky no desechaba el pasado como tal, todo lo contrario, lo consideraba una fuerza viviente que animaba e informaba el presente, por consiguiente, su conocimiento era imprescindible para el desarrollo.

• Sin embargo, de Dámaso Pérez Prado una vez dijo: "es el genio de la música moderna".

Anécdotas, genialidades y algo más

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En 1.926 Stravinsky escucha a su hijo de 10 años, Soulima, una pieza para piano de Robert Schumann. Cuando termina la interpretación le dice: "tu profesor no sabe nada de Schumann. El debería enseñarte a tocar mis piezas. Yo te enseñaré a tocar a Schumann....". Esta anécdota continúa cuando compone duetos para piano para poder tocar con su hijo.

Stravinsky opinaba que "escuchar es un esfuerzo, oír no tiene ningún mérito. También oyen los patos".

"�Qué importa que la Tercera Sinfonía (de Beethoven) haya sido inspirada por el republicano Bonaparte o por el emperador Napoleón! �Sólo la música cuenta... Los hombres de letras han monopolizado la explicación de Beethoven. Debemos arrancarles este monopolio. No les pertenece a ellos sino a los que están habituados a no oír en la música más que la música..."

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CONCLUSIONES

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Igor Stravinsky dijo una vez: "componer significa para mi ordenar cantidad de sonidos según ciertos intervalos relacionados". Y frente a la libertad que enfrenta el compositor actual y a la sensación de que todo está permitido, dijo: "¿Acaso estoy obligado a perderme en ese precipicio de la libertad? ¿De dónde podré asirme para escapar al vértigo que me asaltará frente a las posibilidades de lo infinito? Pero no pereceré. Venceré mi terror y me calmaré pensando que dispongo de siete notas de la escala y de sus intervalos cromáticos; que puedo usar los tiempos fuertes y débiles de los compases y que con ellos poseo elementos concretos y sólidos...".

Tal vez con este pensamiento, Stravinsky defendió la voluntad creadora del hombre frente al poder destructivo que para él producía la libertad, teniendo siempre como base la tradición nacional porque, en su opinión, "la tradición es impulsada hacia adelante para producir algo nuevo".

Su estética objetiva era opuesta a la de los románticos, quienes situaban sus emociones como modelos, mientras él, sin ser indiferente a la emoción humana, desconfiaba de una base tan subjetiva para lo que consideraba un proceso muy exigente: la creatividad.

"Lo que imaginamos no toma por sí mismo una forma concreta, en tanto que la invención es concebible sin su realización. No es la imaginación en sí, sino la imaginación creativa: la facultad que nos ayuda a pasar del plano de la concepción al de la realización".

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Su poder consistía en chocar con los límites compositivos, y encontrar la forma de instituir un nuevo modelo de composición. Stravinsky menciona que:�"La invención presupone imaginación, pero no la debemos confundir con ella. Inventar implica, necesariamente, un hallazgo afortunado y, además, el logro de una total conciencia de ese hallazgo". Y agrega: "Lo que imaginamos no toma por sí mismo una forma concreta, en tanto que la invención es concebible sin su realización. No es la imaginación en sí, sino la imaginación creativa: la facultad que nos ayuda a pasar del plano de la concepción al de la realización".

Rescatemos algunos fragmentos de testimonios: "El caso de Stravinsky es idéntico al de Picasso, el cual, como decía André Lothe, "no pintaba del natural, sino de la pintura" (Casella). "Stravinsky tuvo como misión introducirnos en un presente cósmico" (Marcel).

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BIBLIOGRAFíA

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Enciclopedia Labor. Tomo 7. La Literatura y la Música. Editorial Labor, Madrid. España. 1975.

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"El proceso creativo según Igor Stravinsky". Paul Citraro. Revista Lote No. 47. Mayo 2001. Editorial. Argentina. 2001.

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"Stravinsky, Igor", Enciclopedia Microsoft� Encarta� 99 � 1993-1998 Microsoft Corporation.

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Stravinsky Igor. http://w3.rz-berlin.mpg.de/cmp/stravinsky.html

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Stravinsky Igor. http://www.artehistoria.com/historia/personajes/7019.htm

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Stravinsky Igor. http://www.portalmundos.com/mundomusica/clasicos/stravinsky.htm

[1] Citraro Paul, "El Proceso creativo según I. Stravinsky". Revista Lote No. 42

[2] Routh, Francis: Stravinsky, Javier Vergara Editr, Argentina 1990, p. 195.

[3] Cocteau Jean: Francés; poeta, escritor dramaturgo. La Lampara de Aladino.

[4] Schmitt Florent: compositor francés autor de Semiramis. www.beethovenfm.c

Igor Stravinsky

INTRODUCCIóN