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Publicado por Amanda Trujillo Florez amandatflorez@hotmail.com

LA PINTURA EN LA HISTORIA

Se debe tener en cuenta que tanto la palabra como el concepto de Arte, realmente NO EXISTE, puesto que tan solo hay “artistas”. Y ello se corrobora en épocas pasadas, cuando los hombres dibujaban con tierra coloreada animales como el bisonte sobre las paredes de las cuevas, mientras hoy en día se compra pinturas coloreadas para hacer grafittis en las paredes de la ciudad; de este modo, los artistas han hecho diversidad de trabajos, entre los cuales se encuentran los murales, carteles, esculturas y demás. Es así como se le puede llamar ARTE, a todo tipo de creaciones que surgen del impulso creador de lo humano.

Teniendo presente que esta palabra –ARTE- puede significar, diversas cosas dependiendo de la época y el lugar en el que se encuentre este sujeto. (GOMBRISH 1981)

Es posible entonces, pensar que  el Arte, ha sido considerado como un modo de expresión que permite a todos los seres humanos manifestarse frente a todo aquello que los afecta directa ó indirectamente (cambios sociales, Religiosos, políticos, culturales, experiencias personales etc.), permitiendo  plasmar en cada obra, ya sea por medio de la pintura, la música la escultura, la danza entre otros… todos y cada uno de los momentos de la historia, marcados en gran medida por la época y por el aspecto sociocultural que de ella emerge.

Entre los modos de expresión presentes en el arte, podemos encontrar (como ya se ha mencionado) la pintura, la música, la escultura, la danza y demás.

En este escrito en especial, se trabajará con base en LA PINTURA –únicamente- con la cual se hará un recorrido histórico que abarca desde el arte GÓTICO, el RENACIMIENTO hasta el      POP-ART pasando por el BARROCO y el ROMANTICISMO, mencionando a su vez cual y/ó cuales  han sido sus principales representantes y cuales han sido tanto sus aportes como sus técnicas aplicadas.

La palabra PINTURA, viene del Latín PICTURA, y con la “N” se escribiría PINGERE.

La PINTURA, es el arte de aplicar color a una superficie, con el propósito de crear imágenes; ella puede clasificarse en:

 G MURALES: Se refiere a todas las pinturas que se realizan sobre una pared, ya sea al fresco, al secco, a la encaustica, al temple, ó sobre una tabla ó tela montada encima del muro. Es un elemento permanente de decoración interior.

La forma más antigua de pintura mural fue la realizada sobre las paredes de las cavernas prehistóricas. Por su función estética estas pinturas pueden clasificarse en grupos, según subrayen el muro ó lo perforen idealmente.

· MURALES AL FRESCO: es la mezcla de dos capaz, la  primera tiene por objeto igualar la superficie, la segunda a la cual generalmente se le añade polvo de mármol se adhiere sólidamente a la anterior y sobre ella se realiza la decoración pictórica antes de que se seque completamente, se caracteriza por la suavidad de sus tonos y el aspecto aterciopelado de la superficie pintada; no hay que confundir toda técnica mural con la pintura al fresco, pues la  pintura rupestre no es frescos como erróneamente se piensa,  en Egipto son abundantes las pinturas al fresco, en las tumbas ipogeas, en el Barroco permitió hacer grandiosas decoraciones de tipo escenográfico.

· MURALES EN ENCAUSTICO: aplicada  a la técnica o procedimiento pictórico basado en la adustion o aplicación del fuego, ya en colores  disueltos en cera fundida, calentada en el momento de ser realizados, ya mezclados con resinas, este se aplica con uno de los extremos de un estilete y se dispersa con el otro extremo que es de forma aplanada. Se utiliza superficies como madera y marfil.

· MURALES AL SECCO: Es un tipo de pintura realizada sobre yeso, ablandado con agua. Se uso generalmente en el siglo XVI para restaura frescos deteriorados.

· MURALES AL TEMPLE: Es una  técnica usada en la antigüedad que se basa en diversas materias (yema de huevo, cola, leche, cera, etc.) como aglutinante de los colores.

Sin embargo todo ello tuvo un orden cronológico el cual se define a partir de diversas épocas como son:

PINTURA GOTICA

Floreció a orillas  del Mediterráneo, siglo VIII a.C. se dividió en tres etapas que son: arcaica, clásica y Helenista hasta el siglo I a.C.

Su cultura antropocéntrica se basaba en la exaltación del ser humano, de todos es conocida la frase de Protágoras “el hombre es la medida de todas las cosas” su admiración por el universo y su insaciable curiosidad son otros rasgos que caracterizan esta época; intentando responder a los fenómenos de la naturaleza desde ella misma y no en causas inexplicables, buscando una explicación lógica y racional de los hechos.

Sus manifestaciones culturales estaban regidas  por influencias religiosas, se trataba de una religión politeísta, de antiguas raíces asociadas a las fuerzas de la naturaleza y a las divinidades agrarias.

Fueron los poetas Hesiodo y Homero quienes establecieron en sus obras la genealogía divina.

El arte griego es idealizado basado en las proporciones, el numero y el equilibrio, es por lo tanto una estética intelectualizada.

Para ilustrar la idea anterior nos referimos a un texto de Platón en la República en la que dice:

“No pienses que tienes que pintar los  ojos tan bellamente que no parezcan los ojos, ni tampoco de la misma manera que las demás partes de la figura. Observa ante todo si dando a cada parte el color que le conviene hacemos hermoso el conjunto”.

PINTURA ROMANA

Posee  influencias de los etruscos, posee un gran interés por el realismo, expresado a través del retrato.

Para el Romano  la familia  es la base fundamental de la sociedad: su casa y  la decoración de la misma son objeto de su atención.

Las pinturas realizadas al fresco, decoran los interiores ocultando la pobreza del muro y adquieren la huella de sus habitantes.

Roma  vive momentos de crisis y por lo tanto esta situación se ve reflejada en el arte, mostrándose cada vez mas desequilibrado y  tendente a la abstracción y al expresionismo (Los cuales se trabajaran mas adelante).

G  EL RETRATO: Surgió de la costumbre en la Roma, republicana de realizar mascarillas de cera, sobre los rostros de los difuntos.  En las ceremonias funerarias se sacaban estas imágenes en procesión por el paterfamilias, (el que tenia dominio sobre todas las personas, patrimonios y derechos de la familia; sin estar sometido a otro individuo).

Los rasgos del difunto en las mascaras pretendían reflejar tanto las facciones exactas del rostro, como sus características psicológicas; de esta manera eran inmortalizados los ciudadanos mas ilustres.

El interés se centra en la cabeza, solo en ocasiones se centra  en la totalidad de la figura

G  El RENACIMIENTO

Este movimiento surgió en Italia, concretamente en Florencia, durante los primeros años del siglo XV.

Esta denominación se debe a la reutilización por parte de los artistas de formas características del arte clásico, las cuales a su vez están sujetas a una evolución social, política iniciadas en la época anterior.

Debemos entender el renacimiento como uno de los aspectos del humanismo racional fruto de la evolución que marcara significativamente ámbitos tanto culturales como científicos.

El humanismo aquí trabajado  guarda una significación del individuo como ser, capaz de superación intelectual y de comprensión de la naturaleza.

Por su parte el hombre racional, se interesara por el sentido histórico  y su cultura tendera a ser universalista.

En la pintura,  la representación real del espacio en una superficie bidimensional constituye un reto para los pintores.

En el Renacimiento encontramos dos épocas significativas las cuales son Quattrocento y Cinquecentto, términos en Italiano que equivalen a los siglos XV y XVI.

La pintura  en el  Quattrocento  se caracterizó por la pureza del dibujo, la elegancia y  el equilibrio de la composición.

En el Cinquecentto la pintura sorprende por la grandiosidad, el dominio del color y la luz.

Como se explica en el párrafo anterior la pintura barroca se caracteriza por  el equilibrio, la armonía, la proporcionalidad entre sus partes, se le busca al arte una fundamentaron  teórica, deja de ser una actividad mecánica y manual para convertirla en una actividad  intelectual.

El mayor logro del renacimiento fue la perspectiva (Leo Batista Alberti[1]).

El termino perspectiva es clásico, su significado era el de la representación  racional del espacio; en el renacimiento  la innovación cosiste en la aplicación  de un conjunto de normas matemáticas y geométricas que le permitan representar con “exactitud científica” la realidad.

En este periodo también surge la teoría de  las proporciones, se tiende a definir con datos precisos  la relación entre cada una de sus partes que componen una obra, debido a que la obra de arte es el resultado de  un proceso intelectual, el artista deja de ser un artesano.

G   EL BARROCO

A principios del siglo pasado el termino barroco se creo como algo despectivo, su manifestación artística era considerada como una expresión decadente y recargada, fue considerado como una simple degeneración del renacimiento.

Al  nombre  se le considero un sentido peyorativo al considerarlo derivado de la palabra portuguesa Barrueco que significa perla irregular.

A mediados del siglo XIX, superado el prejuicio anti-Barroco se le empieza ya a conceptuar como un estilo diferenciado.

Actualmente entendemos como Barroco, al estilo que a lo largo de los siglo XVII y XVIII, se nos muestra como una corriente que posee un lenguaje, unas soluciones estéticas formales y propias, aunque múltiplex, basado en una visión contradictoria pero a la vez unitaria  de lo que consideramos el espíritu del momento.

El Barroco considera el arte un emisor de sus propios mensajes; de nuevo la sensación viene a suplir a la razón y la obra racional y equilibrada del Renacimiento queda sustituida por la expresión dinámica y desconcertante del Barroco.

De un humanismo básicamente racional pasamos a un humanismo Sensorial, en donde triunfa la nueva tendencia.

En la pintura, la época Barroca supone el triunfo de lo efímero,  transitorio y cambiante; ofreciendo desequilibrio y movimiento, diagonales y agrupaciones asimétricas llenan las obras, los elementos parecen impulsados por una fuerza centrifuga hacia el exterior del cuadro, ampliándonos hacia los lados.

El triunfo del naturalismo realista, hará que tanto lo feo como lo desagradable y molesto sean temas de interés para el artista. La luz como elemento plástico ordena el espacio y va adquiriendo una importancia capital, creando focos de atención a partir de los cuales  se inicia el recorrido visual de la obra. Enfatiza aquellas partes del cuadro que intenta resaltar dejando el resto en penumbra.

CORRIENTES ARTISTICAS DEL BARROCO

1.   TENDENCIA NATURALISTA: esta toma como fuente inspiradora de la obra a la realidad inmediata y la aplica a temas del pasado, susceptibles de  lecturas simbólicas. El modelo no esta idealizado, sino que es un ser vulgar sacado de la vida cotidiana.

El artista rompe con el modelo y los cánones de belleza establecidos en el siglo XVI y pinta lo que esta a su alrededor. La luz utilizada proviene de una zona alta del cuadro (luz de claraboya), iluminando la parte esencial para el autor; su principal representante es CARABAGGIO.

2.   TENDENCIA REALISTA: Su modelo es la realidad circundante, que se traslada a la composición de la manera mas fiel posible y este se convierte en tema. Es el reflejo de una sociedad cuyos valores no son la religión o el honor, sino el triunfo social a través del trabajo y el dinero; la luz pretende ser real adecuada al momento y a la ubicación geográfica; la luz es clara valorizando lo individual, resaltando objetos y personas.

3.   EL CLASICISMO: Es una pintura ecléctica (de la iglesia) y academicista al servicio de lo intelectual. La estructuración espacial, el distanciamiento del espectador se opone a la libertad compositora, las formas abiertas y la complicidad de lo Barroco.

4.   EL DINAMISMO: En esta tendencia el exceso, la teatralidad, el color, la exuberancia de las formas, estallan en toda su grandiosidad, a la vez que se integran en un todo globalizadora en el que lo que importa es el efecto del conjunto no el análisis de sus partes.

Su figura representativa se encuentra en Rubens€, autor altamente influido por Miguel Angel†.

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€ Rubens; Pintor Flamenco nacido en 1865, fallecido en 1922, filosofo Alemán, se  traslado a Amberes a los diez años; Supo crear un estilo muy personal, gracias a la extraordinaria  facilidad para pintar. Sus cuadros rebosan vida y optimismo; se interesaba por los desnudos femeninos y de carnes delicadas y rosadas. Sus temas eran religiosos, mitológicos, retratos y profanos.

†Miguel Angel; nacido en 1475 y fallecido en 1564, arquitecto, escultor, pintor y poeta Italiano, magna figura del Renacimiento, contaba con un estilo personal con el cual infundio una nueva vida y movimiento a las esculturas, a las vez que daba a la pintura grandiosidad y un trazado de las sombras y de la musculatura como nadie lo ha logrado.

PINTURA BARROCA EN HOLANDA

Continente de  monarquías absolutas, donde dominan los Aristocracias privilegiadas; por lo tanto sociedad burguesa de comerciantes, artesanos y hombres de mar. Pues esto es determinante para la clientela de los artistas y de los temas de  su pintura.

El abandono del catolicismo hace que el numero de pinturas religiosas disminuya considerablemente, los géneros preferidos son:

·      Pintura intima.

·      El paisaje.

·      Los bodegones.

·      El retrato  - especialmente en Holanda el retrato en grupo.

G    EL RETRATO CORPORATIVO: Franz Hals fue uno de los pintores mas avanzados de su época en cuanto a la técnica, su pincelada suelta y desenfadada muestra con una destreza extraordinaria superficies  rebosantes de color y de vida, se le puede considerar el  verdadero creador del retrato corporativo. En los cuadros los personajes se mueven libremente mientras conversan con otros.

G   LA PINTURA DE  GENERO: destinadas la mayoría de las obras a decorar las viviendas de la burguesía, no es de extrañar el éxito de este tipo de pintura.

Hay diversos clases de géneros:  El Grotesco – El Aldeano  cuyo mejor representante es  Van Ostade ( los aldeanos que cantan y beben son el argumento preferido de sus obras.

El genero de los interiores Burgueses, triunfa  en cuyas composiciones, la luz, de una suavidad suprema, es transmisora de un silencio recogimiento, a la vez que crea un ambiente de gran poesía y Lirismo.

Los objetos de la vida cotidiana son tratados con el mismo cuidado que los rostros.

G    PAISAJES: Para los Holandeses paisaje es todo lo exterior: la ciudad, el campo, el mar y el cielo; se crea el paisaje urbano, el marítimo y el de los cielos cubiertos de nubes.

Rembrandt‚, es uno de los representantes de este genero.

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‚Rembrandt, es el gran maestro de la pintura  holandesa. Pese a la incomprensión de la que fue objeto por parte de  sus compatriotas, ahondo mas que ningún otro en la pintura de  su país. Fue un gran predicador  de las ideas generales, resalto lo universal, no lo  concreto. Su realismo esta impregnado de un delicado idealismo. Se fija en los pobres, pero lo que pinta es la pobreza; en su obra lo feo o repugnante logra ser trascendido y casi se nos esfuma en el cuadro, a pesar de su presencia.

Gran tenebrista, su colorido, aunque intenso, tiende a lo monocromo, pero hace brillar todo fulgor objetos y figuras en la oscuridad. Con razón se ha dicho que Rembrandt, las luces parecen proceder de los mismos personajes. La sombra no es un zona opaca donde las  desaparecen, sino un espacio en el que los colores vibran con menor fuerza, creando una zona mágica de misterio, soledad y ensueño.

Su pintura abarcó numerosos temas; el retrato, el paisaje, el cuadro religioso, el mitológico y fue también uno de los más grandes  de todos  los tiempos.

LA PINTURA BARROCO ESPAÑOLA

En el siglo XVII, representa la época culminante de la pintura española. Curioso es advertir como la tendencia política y económica coincide con un auge artístico y espiritual tan importante.

España, país católica por excelencia,  el tema religioso  es  la temática del momento, posee una corriente naturista nacida en Italia. Aunque consideramos en menor nivel, la pintura profana también logra establecerse como un genero de esta época, huye de lo grotesco o lo desagradable; surge de una pintura relativa a  escenas y tipos populares, como mendigos, borrachos, bufones y  pícaros; muestra la sociedad marginal de la época; donde encontramos tres visiones distintas frente a escenas similares:

·      Rivera: es uno de los que ridiculiza el tema del enanismo.

·      Velázquez: muestra un mayor sentido humanitario, representándolos (los enanos) de una forma más sutil, utilizando para ellos sillas, en donde estos se encontraban sentados. (mas adelante se hablara sobre la biografía de este pintor)

·      Murillo: a diferencia de estos dos se aparta de la visión real a través de una versión dulcificadora, en donde la intensión de denuncia social queda desvirtualizada.

PINTURA EN EL SIGLO XIX

CARACTERÍSTICAS:

Revolución industrial  y científica que marcaron el sistema de valores imperante, afectando de esta manera el desarrollo artístico; el arte era de carácter burgués es decir giraba en torno a los intereses de esta clase social; el crecimiento de la vida urbana, debido al desarrollo industrial y al aumento demográfico contribuyeron a que se contribuyera a cambios en las relaciones cliente artista.

Los artistas tenían un interés tanto económico como de reconocimiento, sus medios eran las exposiciones oficiales y la obtención de premios.

En el ambiente reina lo tradicional, siendo frecuente el rechazo a lo nuevo o renovador, por incomprensión o por ignorancia.

La forma de vida de los artistas se caracterizaba por la bohemia, su mentalidad por un desprecio hacia el mundo burgués, practico y materialista

CORRIENTES PICTORICAS DEL SIGLO XIX

EL ROMANTICISMO

Líneas de temple romántico serán las actitudes rebeldes, la defensa de la libertad, la inclinación de la melancolía, el sentimentalismo y la hipersensibilidad, el poderío del  sentimiento sobre la razón y la   fogosidad de  lo pasional. El ímpetu y la fuerza sustituyen a la medida. Los gestos son dramáticos y exagerado.

 Incursión mas allá de lo notable, suplicante a lo inexplorado y enigmático. El hombre se transforma en un asistente singular del mundo.

La realidad ya no es universalmente valida, sino que ya esta regida por la subjetividad, es la proclama más absoluta del yo.

El Romanticismo se basa en la nostalgia, en el deseo de la recuperación, en el deseo de la recuperación del tiempo pasado, en la evasión fantástica y en la huida de la realidad y el presente, los románticos ponían su mirada en el medio evo.

En esta época se descubre la brutalidad de la guerra, sus consecuencias y la huella que deja en el ser humano. Se percibe  en sus obras un espíritu cargado de melancolía, tristeza ó ternura desde la sociedad personal.

Los principales representantes del romanticismo son: Gericault y Delacroix.

Gericault: es el símbolo más claro de este estilo, tenía un temperamento ardiente, especialmente ejemplificado en la utilización de colores, gracias a él se presentó un suceso que originó un autentico escándalo político, debido a la realización de la pintura llamada: LA BALSA DE LA MEDUSA (1816).

Delacroix:  él toma sus temas de la literatura, de la historia  y de los acontecimientos contemporáneos, pero solo le da importancia a lo fantástico y simbólico. Odia el gris y gusta de las tonalidades fuertes, pues permiten subrayar gestos y composiciones.

EL PAISAJISMO

Hace su aparición en Francia, los artístas pintaban los alrededores de París, interesándose por los efectos de la lluvia y la tormenta.

Los artistas se desplazaban hasta otras ciudades, habitando humildes chozas y sufriendo las inclemencias del tiempo. El más importante de todos ellos fue Theodore Rousseau€, su romanticismo se expresa fundamentalmente a través de los árboles. 

EL REALISMO

Esta tendencia fue creándose en el propio seno del romanticismo, su atención se basaba en el paisaje, lo popular, lo particular, y lo concreto, triunfando en forma definitiva en el año de 1848.

El Realismo huye de la idealización  de la imagen; sus temas no son ni heroico, ni amables, es el hombre embrutecido por la fatiga de su trabajo agotador quien se convierte en motivo para la realización de sus obras. Se presenta un esfuerzo por representar un entorno como se supone es realmente. El positivismo filosófico, el socialismo  y la naciente revolución tecnológica y científica, se encuentran como base de esta nueva corriente que abarca las décadas centrales del siglo XIX.

Uno de sus principales representantes fue Millet, pintor de la tierra, de campesinos que trabajaban resignadamente los campos. De sus cuadros emerge una calma y sencillez muy distante de los cuadros que realizan otros pintores.

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€Nació  en 1812 y murió en 1867, pintor francés, perteneciente a la escuela de Barbizon, uno de los maestros del paisaje, gran interprete de la estructura del terreno y del árbol.

EL IMPRESIONISMO

El impresionismo es un movimiento pictórico fundamental en la historia del arte moderno, de él arranca toda la historia del arte moderno.  De él arranca toda la pintura del siglo XX y es el punto de ruptura con el arte clásico. Con el impresionismo nace toda la riqueza del arte actual y tiene una importancia decisiva en las artes decorativas. A pesar de los esfuerzos de los pintores por no caer en lo decorativo, lo cierto es que la pintura profunda tiene una serie de valores plásticos complementarios y nuevos; como lo es el color. El  color es una preocupación constante, prevaleciendo sobre el dibujo, el impresionismo aprovecha ñas experiencias de una nuevas forma de ver el mundo.

Se utilizan los colores nuevos del prisma, empleando los primarios y los binarios, realizando mezclas que le permita al artista lograr lo deseado.

El impresionismo busca la luz  coloreada y el negro constituye la negación, por lo tanto no se utiliza.  Las sombras dejan de ser oscuras y se reducen a espacios coloreados con los colores primarios.

Los colores se aplican sobre la tela, mediante pinceladas sueltas y pastosas, pues el impresionismo hace un derroche de colores.

De cerca estos cuadros parecen bocetos, pero al alejarse y ser contemplados a distancia se  produce la correcta visión del conjunto al fundirse en la retina del espectador todos los trazos.

CARACTERISTICAS DE LA PINTURA IMPRESIONISTA

†  El color y la forma de los objetos están íntimamente unidos.

†   Obra preferiblemente se  aprecia en conjunto  que en  parcialidad; claro esta que  esto se deja a criterio del espectador.

†  El color solo seria el  puro espectro solar.  La forma sola elementos geométricos abstractos, sobre las líneas de la forma geométrica el ojo humano reúne los  colores del espectro y hace comprensible así el objeto.

†  Los colores de la imagen solar están contiguos y no fundidos.

†  Los pintores  impresionistas tienen en cuenta la teoría de los colores complementarios; como ya es sabido dos colores complementarios  uno puesto frente al otro se realzan y mezclados se anulan. Los pintores tienen en cuenta esto y prefieren realizar obras donde el ojo sea quien haga estas mezclas.

†   Abandonan el tema histórico y mitológico, para preocuparse por la realidad social que  los rodea.

La   preocupación luminosa lleva a los artistas a pintar cuidadosamente los rayos del sol, que se filtran a través de las hojas de los arboles, que inciden sobre las formas, o brillan sobre las aguas: ríos, arroyos, playas. La captación y perfecta representación de ese cuerpo liquido, siempre en movimiento, constituye una de las grandes  conquistas del estilo.

ARGUMENTO DE LA ESTETICA

§        Los cuadros son fácilmente comprensibles por que no expresan mas que no que representan.

§        Mas que el contenido  interesa el tono, el cromatismo, las experiencias sucesivas.

§        Se trata de fijar impresiones momentáneas de la naturaleza, enfrentarse directamente con el objeto y pintar, en general a pleno aire.

§        Por lo general el artista trabaja deprisa, por que el rápido cambio de colores lo requiere así.

§        Lo problemas tradicionales de la pintura son el volumen, línea, claroscuro NO INTERESA, por que pertenece a la forma ya existente.

§        En estos cuadros se adivina no solo el clima u estación sino que además permite saber la hora del día.

REPRESENTANTES DE LA PINTURA IMPRESIONISTA

¢           MONET: Se formo en el realismo; alcanza un gran valor poético en sus trabajos acuáticos, en donde logra la captación de los centelleos luminosos; también plasma en sus obras las sucias estaciones ferroviarias, con el humo de sus  maquinas, captando con gran maestría la entrada y la salida de los trenes.

¢           A. SISLEY: Es el mas lírico pintor del grupo, convencido por el paisaje de las vías navegables, en sus labor se acentuaron los temas de la inundación. Por otra parte también realizo trabajos  muy realistas de paisajes nevados en los que muestra enorme miramiento y sensiblería.

¢           C. PISSARRO:  era el de mas edad y jugo el papel de fortalecedor de los lazos de amistad entre todos ellos. Los arboles y las casas constituyen una sólida estructura para sus telas, mediante ellas parece como si intentara recuperar el volumen perdido entre las manchas, hecho del que se encargara ya de forma mas concreta el postimpresionista  Cezzane. Tuvo en sus pinturas varias etapas, siendo las más sobresaliente la etapa puntillista.

¢           E. MANET: la mayor parte de su obra pertenece al realismo, sus temas eran regatas y marinas y sin embargo la forma humana era esencial para el, como se puede observar en la obra el Bar del Folies Bergére.

¢           E. DEGAS:  en general no podemos ignorar sus cuadros de carreras hípicas, este artista prefiere los interiores que el pleno aire. Es un impresionista mas de la forma que del color.  La brillante luz natural queda desplazada en muchas de sus obras ya que se caracterizan la palidez del escenario. Se siente interesado por los ensayos del Ballet, muestra a las bailarinas en gran variedad de actitudes: Realizando ejercicios, inclinándose para recibir el aplauso o esperando entrar en el escenario.

¢           A. RENOIR: es al mismo tiempo un revolucionario y  un artista, que se aferra a lo tradicional, en ocasiones algunos de sus cuadros reflejan la influencia de TIZIANO o de RUBENS, en cuanto a la concepción de la forma, sin embargo su técnica es plenamente impresionista, ningún pintor a representado como el la filtración de los rayos solares a través de las hojas.

G           EL PUNTILLISMO O DIVISIONISMO: hacia los años 80´algunos pintores se empezaron a plantear, que la recreación poética de la luz de los cuadros no se correspondían plenamente a las exigencias científicas del estudio del color.  En la exposición de 1986, junto a los pintores de siempre uno nuevo surge Georges Seurat, su obra una tarde de domingo, provoco un gran asombro, su  su trazo suelto y ligero de la pintura había sido sustituido por pequeños puntos; debido a la falta de rigor científico de los  pintores anteriores, Seurat propone un estudio de su obra y el estudio de la ley de los contrastes simultáneos.

En el puntillismo reina el orden y la claridad, como también la luz y la forma  encuentran una síntesis perfecta. Incluso se pretende recuperar el volumen.

Otros importantes representantes son: (aunque temporalmente) Pissarro, Van Gogh, Gauguin.

G           EL POS IMPRESIONISMO: para muchos expertos  el puntillismo fue  un  retroceso del impresionismo, entonces  varios pintores buscaron nuevas técnicas, entre ellas surgieron: (en los primeros años del siglo XX, el fauvismo, el cubismo, el expresionismo)

Vicent Van Gogh, holandés de nacimiento, su periodo mas importante inicia con la llegada a París en 1886 y termina con su suicidio en 1890. Su naturaleza neurótica lo hace sentirse mal en París, sus obras plasma los campos de trigo en un excelente manejo de los tonos amarillos, contrastados con la luminosidad del azul del cielo.

Sin embargo la locura ira  haciendo presa en su espíritu, paralelo a esto pinta con gran genialidad; pues su hermano Theo  y la pintura logran mantenerlo un poco calmado hasta su muerte. Luz, color y expresividad son los componentes básicos de su obra y con ellos se marca la pauta para el expresionismo.

Van Gogh siempre utilizó colores puros,  cuando pintaba utilizaba el color que le atraía  mas  según como estuviera  en mas semejanza con sus sentimientos.

Aspectos psicológicos en los trazos de Van Gogh: Aplicaba el color en larguísimas cursivas, y cada vez más ondulantes, que hacen flamear la forma y crean  explosivos remolinos, expresando así su angustia interior.

Las forma se quiebran angularmente mostrando así su desequilibrio: por ejemplo en su obra pictórica  “la habitación de Arles”, realizada en  1889,  el pintor busca el descanso para su mente atormentada, sugiriéndolo así en la pintura de  su cuarto, los colores utilizados expresan  sensación de reposo y descanso que su  pensamiento e imaginación necesitan. Se observa  el espacio claustrofóbico, la única esperanza es la ventana, pero al parecer da hacia el interior, el pintor se siente hostil, enclaustrado en si mismo, la mas tristeza soledad se apodera de el, la cual se ve reflejada en los tonos de los azules, lilas y violetas y el pesimismo de los marrones se mezcla con el patetismo de los verdes desvanecidos el cual contrasta con el rojo del cubre lecho de la cama. Se detalla en la obra metafóricamente que la vida se ha ido y a lo mejor mucho antes de que se suicidara.

LA PINTURA DEL SIGLO XX

CARACTERISTICAS: EL cambio de siglo del XIX al XX, puso en evidencia la crisis de valores de las épocas anteriores, cambios que aun repercuten en el hombre de la sociedad actual. Todos los avances científicos, técnicos y filosóficos, como también las nuevas realidades políticas que se producen en Europa  van a alterar  la  opiniones intelectuales y consecuentemente las sociales, que  seguidamente esto se va a traducir en el arte.

La Técnica fotográfica, esta en pleno auge, se enfatiza en la representación de la realidad, también aparece el microscopio permitiendo ver en grandes dimensiones cosas que antes era in-imaginado poder verlas, aparece el cine, posteriormente la televisión; entonces la pintura pasa a un segundo plano ya que no es el único método para plasmar la realidad, esto por lo tanto aleja la tendencia de la pintura a otras posiciones representativas.

El desencanto final fue producido por  la guerra mundial. Por lo tanto el  artista no puede  voltearse a mirar el pasado, el presente corre vertiginosamente. El abandono de la rigidez académica, ya iniciado en el siglo anterior con los siguientes rasgos o aspectos:

§        La superación del tema.

§        La importancia del color.

§        La desintegración de las formas.

§        Objetos en las representaciones figurativas.

§        La utilización de nuevos materiales.

§        Inclusión de la expresión espontanea con relación al inconsciente.

Todo lo anterior supone una inversión de valores y principios, que buscan otros planteamientos y  soluciones.

El artista expresa estados de animo e hasta se incluye en las obras el mismo.

Las nuevas vanguardias artísticas imponen el valor económico a las obras y por lo tanto coleccionistas  e intermediarios que se lucran de este tipo de  comercio.

G FIGURACION Y ABSTRACCION: Los artistas de esta primera época tomaron los postulados, como  punto de partida artistas impresionistas y más exactamente los artistas del pos-impresionismo; Van Gogh, Cezanne y Gauguin, sus primeras creaciones artísticas fueron el  plataforma para los artistas de inicio de siglo XIX, en donde  podemos decir que: 

1.   El cubismo  toma  de los logros de Cezanne,  los gruesos empastes, las facturas ondulantes y las líneas agudas.

2.   De Van Gogh tomaron la forma en que se apropiaban arbitrariamente del color.

3.   De Gauguin, de él fueron adoptadas las técnicas  por los  fauvistas, aunque sus manifestaciones son mas líricas y menos agresivas,

Ahora adentrándonos al tema de la abstracción, se puede decir que  pintura abstracta a aquellas obras carece totalmente de figuración, es decir que no plasma espacios reales, objetos o paisajes, figuras humanas, animales, ni incluso formas geométricas representadas como objetos con iluminación y perspectiva, es por lo tanto una creación que huye de ser imitada o copiada.

En la creación de la obra abstracta no debe de haber referencia de algo independiente de la obra misma..

En el arte abstracto la propuesta es una nueva realidad.

La pintura abstracta de divide en dos grupos como son:

a)    Intuición, dirigiéndose este a la trama lineal y el ritmo discontinuo, un ejemplo es la forma en que están dibujadas las caricaturas infantiles.

b)   Racionalismo: supuso el triunfo del  geometrismo, la forma regular plana, ele estudio de la ordenación espacial y la  simbolización de los valores esenciales expresados a través de las corrientes tales  como el neoclasicismo.

G EL FAUVISMO: Se le llama así por el colorido violento. (Fauves significa fieras). En esta tendencia se rechaza el proceso imitador, sencillamente la realidad  se refleja tal cual es, existe una autonomía del color y de la forma; por lo tanto el color es el verdadero protagonista.