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La pintura en la historia
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Pretende hacer un recorrido por la historia de la pintura, explicando los estilos y tecnicas mas utilizados por el hombre en las diferentes culturas. (Elaborado por Amanda Trujillo - Universidad San Buenaventura Cali Colombia)
Agregado: 27 de ENERO de 2005 (Por Amanda Trujillo Florez) | Palabras: 7029 | Votar | Sin Votos | Sin comentarios | Agregar Comentario
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Publicado por Amanda Trujillo Florez amandatflorez@hotmail.com
LA PINTURA EN LA HISTORIA
Se debe tener en cuenta que tanto la palabra como el concepto de Arte, realmente NO EXISTE, puesto que tan solo hay "artistas". Y ello se corrobora en épocas pasadas, cuando los hombres dibujaban con tierra coloreada animales como el bisonte sobre las paredes de las cuevas, mientras hoy en día se compra pinturas coloreadas para hacer grafittis en las paredes de la ciudad; de este modo, los artistas han hecho diversidad de trabajos, entre los cuales se encuentran los murales, carteles, esculturas y demás. Es así como se le puede llamar ARTE, a todo tipo de creaciones que surgen del impulso creador de lo humano.
Teniendo presente que esta palabra -ARTE- puede significar, diversas cosas dependiendo de la época y el lugar en el que se encuentre este sujeto. (GOMBRISH 1981)
Es posible entonces, pensar que el Arte, ha sido considerado como un modo de expresión que permite a todos los seres humanos manifestarse frente a todo aquello que los afecta directa ó indirectamente (cambios sociales, Religiosos, políticos, culturales, experiencias personales etc.), permitiendo plasmar en cada obra, ya sea por medio de la pintura, la música la escultura, la danza entre otros... todos y cada uno de los momentos de la historia, marcados en gran medida por la época y por el aspecto sociocultural que de ella emerge.
Entre los modos de expresión presentes en el arte, podemos encontrar (como ya se ha mencionado) la pintura, la música, la escultura, la danza y demás.
En este escrito en especial, se trabajará con base en
La palabra PINTURA, viene del Latín PICTURA, y con la "N" se escribiría PINGERE.
G MURALES: Se refiere a todas las pinturas que se realizan sobre una pared, ya sea al fresco, al secco, a la encaustica, al temple, ó sobre una tabla ó tela montada encima del muro. Es un elemento permanente de decoración interior.
La forma más antigua de pintura mural fue la realizada sobre las paredes de las cavernas prehistóricas. Por su función estética estas pinturas pueden clasificarse en grupos, según subrayen el muro ó lo perforen idealmente.
• MURALES AL FRESCO: es la mezcla de dos capaz, la primera tiene por objeto igualar la superficie, la segunda a la cual generalmente se le añade polvo de mármol se adhiere sólidamente a la anterior y sobre ella se realiza la decoración pictórica antes de que se seque completamente, se caracteriza por la suavidad de sus tonos y el aspecto aterciopelado de la superficie pintada; no hay que confundir toda técnica mural con la pintura al fresco, pues la pintura rupestre no es frescos como erróneamente se piensa, en Egipto son abundantes las pinturas al fresco, en las tumbas ipogeas, en el Barroco permitió hacer grandiosas decoraciones de tipo escenográfico.
• MURALES EN ENCAUSTICO: aplicada a la técnica o procedimiento pictórico basado en la adustion o aplicación del fuego, ya en colores disueltos en cera fundida, calentada en el momento de ser realizados, ya mezclados con resinas, este se aplica con uno de los extremos de un estilete y se dispersa con el otro extremo que es de forma aplanada. Se utiliza superficies como madera y marfil.
• MURALES AL SECCO: Es un tipo de pintura realizada sobre yeso, ablandado con agua. Se uso generalmente en el siglo XVI para restaura frescos deteriorados.
• MURALES AL TEMPLE: Es una técnica usada en la antigüedad que se basa en diversas materias (yema de huevo, cola, leche, cera, etc.) como aglutinante de los colores.
Sin embargo todo ello tuvo un orden cronológico el cual se define a partir de diversas épocas como son:
PINTURA GOTICA
Floreció a orillas del Mediterráneo, siglo VIII a.C. se dividió en tres etapas que son: arcaica, clásica y Helenista hasta el siglo I a.C.
Su cultura antropocéntrica se basaba en la exaltación del ser humano, de todos es conocida la frase de Protágoras "el hombre es la medida de todas las cosas" su admiración por el universo y su insaciable curiosidad son otros rasgos que caracterizan esta época; intentando responder a los fenómenos de la naturaleza desde ella misma y no en causas inexplicables, buscando una explicación lógica y racional de los hechos.
Sus manifestaciones culturales estaban regidas por influencias religiosas, se trataba de una religión politeísta, de antiguas raíces asociadas a las fuerzas de la naturaleza y a las divinidades agrarias.
Fueron los poetas Hesiodo y Homero quienes establecieron en sus obras la genealogía divina.
El arte griego es idealizado basado en las proporciones, el numero y el equilibrio, es por lo tanto una estética intelectualizada.
Para ilustrar la idea anterior nos referimos a un texto de Platón en
"No pienses que tienes que pintar los ojos tan bellamente que no parezcan los ojos, ni tampoco de la misma manera que las demás partes de la figura. Observa ante todo si dando a cada parte el color que le conviene hacemos hermoso el conjunto".
PINTURA ROMANA
Posee influencias de los etruscos, posee un gran interés por el realismo, expresado a través del retrato.
Para el Romano la familia es la base fundamental de la sociedad: su casa y la decoración de la misma son objeto de su atención.
Las pinturas realizadas al fresco, decoran los interiores ocultando la pobreza del muro y adquieren la huella de sus habitantes.
Roma vive momentos de crisis y por lo tanto esta situación se ve reflejada en el arte, mostrándose cada vez mas desequilibrado y tendente a la abstracción y al expresionismo (Los cuales se trabajaran mas adelante).
G EL RETRATO: Surgió de la costumbre en
Los rasgos del difunto en las mascaras pretendían reflejar tanto las facciones exactas del rostro, como sus características psicológicas; de esta manera eran inmortalizados los ciudadanos mas ilustres.
El interés se centra en la cabeza, solo en ocasiones se centra en la totalidad de la figura
G El RENACIMIENTO
Este movimiento surgió en Italia, concretamente en Florencia, durante los primeros años del siglo XV.
Esta denominación se debe a la reutilización por parte de los artistas de formas características del arte clásico, las cuales a su vez están sujetas a una evolución social, política iniciadas en la época anterior.
Debemos entender el renacimiento como uno de los aspectos del humanismo racional fruto de la evolución que marcara significativamente ámbitos tanto culturales como científicos.
El humanismo aquí trabajado guarda una significación del individuo como ser, capaz de superación intelectual y de comprensión de la naturaleza.
Por su parte el hombre racional, se interesara por el sentido histórico y su cultura tendera a ser universalista.
En la pintura, la representación real del espacio en una superficie bidimensional constituye un reto para los pintores.
En el Renacimiento encontramos dos épocas significativas las cuales son Quattrocento y Cinquecentto, términos en Italiano que equivalen a los siglos XV y XVI.
La pintura en el Quattrocento se caracterizó por la pureza del dibujo, la elegancia y el equilibrio de la composición.
En el Cinquecentto la pintura sorprende por la grandiosidad, el dominio del color y la luz.
Como se explica en el párrafo anterior la pintura barroca se caracteriza por el equilibrio, la armonía, la proporcionalidad entre sus partes, se le busca al arte una fundamentaron teórica, deja de ser una actividad mecánica y manual para convertirla en una actividad intelectual.
El mayor logro del renacimiento fue la perspectiva (Leo Batista Alberti[1]).
El termino perspectiva es clásico, su significado era el de la representación racional del espacio; en el renacimiento la innovación cosiste en la aplicación de un conjunto de normas matemáticas y geométricas que le permitan representar con "exactitud científica" la realidad.
En este periodo también surge la teoría de las proporciones, se tiende a definir con datos precisos la relación entre cada una de sus partes que componen una obra, debido a que la obra de arte es el resultado de un proceso intelectual, el artista deja de ser un artesano.
G EL BARROCO
A principios del siglo pasado el termino barroco se creo como algo despectivo, su manifestación artística era considerada como una expresión decadente y recargada, fue considerado como una simple degeneración del renacimiento.
Al nombre se le considero un sentido peyorativo al considerarlo derivado de la palabra portuguesa Barrueco que significa perla irregular.
A mediados del siglo XIX, superado el prejuicio anti-Barroco se le empieza ya a conceptuar como un estilo diferenciado.
Actualmente entendemos como Barroco, al estilo que a lo largo de los siglo XVII y XVIII, se nos muestra como una corriente que posee un lenguaje, unas soluciones estéticas formales y propias, aunque múltiplex, basado en una visión contradictoria pero a la vez unitaria de lo que consideramos el espíritu del momento.
El Barroco considera el arte un emisor de sus propios mensajes; de nuevo la sensación viene a suplir a la razón y la obra racional y equilibrada del Renacimiento queda sustituida por la expresión dinámica y desconcertante del Barroco.
De un humanismo básicamente racional pasamos a un humanismo Sensorial, en donde triunfa la nueva tendencia.
En la pintura, la época Barroca supone el triunfo de lo efímero, transitorio y cambiante; ofreciendo desequilibrio y movimiento, diagonales y agrupaciones asimétricas llenan las obras, los elementos parecen impulsados por una fuerza centrifuga hacia el exterior del cuadro, ampliándonos hacia los lados.
El triunfo del naturalismo realista, hará que tanto lo feo como lo desagradable y molesto sean temas de interés para el artista. La luz como elemento plástico ordena el espacio y va adquiriendo una importancia capital, creando focos de atención a partir de los cuales se inicia el recorrido visual de la obra. Enfatiza aquellas partes del cuadro que intenta resaltar dejando el resto en penumbra.
CORRIENTES ARTISTICAS DEL BARROCO
1. TENDENCIA NATURALISTA: esta toma como fuente inspiradora de la obra a la realidad inmediata y la aplica a temas del pasado, susceptibles de lecturas simbólicas. El modelo no esta idealizado, sino que es un ser vulgar sacado de la vida cotidiana.
El artista rompe con el modelo y los cánones de belleza establecidos en el siglo XVI y pinta lo que esta a su alrededor. La luz utilizada proviene de una zona alta del cuadro (luz de claraboya), iluminando la parte esencial para el autor; su principal representante es CARABAGGIO.
2. TENDENCIA REALISTA: Su modelo es la realidad circundante, que se traslada a la composición de la manera mas fiel posible y este se convierte en tema. Es el reflejo de una sociedad cuyos valores no son la religión o el honor, sino el triunfo social a través del trabajo y el dinero; la luz pretende ser real adecuada al momento y a la ubicación geográfica; la luz es clara valorizando lo individual, resaltando objetos y personas.
3. EL CLASICISMO: Es una pintura ecléctica (de la iglesia) y academicista al servicio de lo intelectual. La estructuración espacial, el distanciamiento del espectador se opone a la libertad compositora, las formas abiertas y la complicidad de lo Barroco.
4. EL DINAMISMO: En esta tendencia el exceso, la teatralidad, el color, la exuberancia de las formas, estallan en toda su grandiosidad, a la vez que se integran en un todo globalizadora en el que lo que importa es el efecto del conjunto no el análisis de sus partes.
Su figura representativa se encuentra en Rubens€, autor altamente influido por Miguel Angel†.
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€ Rubens; Pintor Flamenco nacido en 1865, fallecido en 1922, filosofo Alemán, se traslado a Amberes a los diez años; Supo crear un estilo muy personal, gracias a la extraordinaria facilidad para pintar. Sus cuadros rebosan vida y optimismo; se interesaba por los desnudos femeninos y de carnes delicadas y rosadas. Sus temas eran religiosos, mitológicos, retratos y profanos.
†Miguel Angel; nacido en 1475 y fallecido en 1564, arquitecto, escultor, pintor y poeta Italiano, magna figura del Renacimiento, contaba con un estilo personal con el cual infundio una nueva vida y movimiento a las esculturas, a las vez que daba a la pintura grandiosidad y un trazado de las sombras y de la musculatura como nadie lo ha logrado.
PINTURA BARROCA EN HOLANDA
Continente de monarquías absolutas, donde dominan los Aristocracias privilegiadas; por lo tanto sociedad burguesa de comerciantes, artesanos y hombres de mar. Pues esto es determinante para la clientela de los artistas y de los temas de su pintura.
El abandono del catolicismo hace que el numero de pinturas religiosas disminuya considerablemente, los géneros preferidos son:
• Pintura intima.
• El paisaje.
• Los bodegones.
• El retrato - especialmente en Holanda el retrato en grupo.
G EL RETRATO CORPORATIVO: Franz Hals fue uno de los pintores mas avanzados de su época en cuanto a la técnica, su pincelada suelta y desenfadada muestra con una destreza extraordinaria superficies rebosantes de color y de vida, se le puede considerar el verdadero creador del retrato corporativo. En los cuadros los personajes se mueven libremente mientras conversan con otros.
G
Hay diversos clases de géneros: El Grotesco - El Aldeano cuyo mejor representante es Van Ostade ( los aldeanos que cantan y beben son el argumento preferido de sus obras.
El genero de los interiores Burgueses, triunfa en cuyas composiciones, la luz, de una suavidad suprema, es transmisora de un silencio recogimiento, a la vez que crea un ambiente de gran poesía y Lirismo.
Los objetos de la vida cotidiana son tratados con el mismo cuidado que los rostros.
G PAISAJES: Para los Holandeses paisaje es todo lo exterior: la ciudad, el campo, el mar y el cielo; se crea el paisaje urbano, el marítimo y el de los cielos cubiertos de nubes.
Rembrandt‚, es uno de los representantes de este genero.
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‚Rembrandt, es el gran maestro de la pintura holandesa. Pese a la incomprensión de la que fue objeto por parte de sus compatriotas, ahondo mas que ningún otro en la pintura de su país. Fue un gran predicador de las ideas generales, resalto lo universal, no lo concreto. Su realismo esta impregnado de un delicado idealismo. Se fija en los pobres, pero lo que pinta es la pobreza; en su obra lo feo o repugnante logra ser trascendido y casi se nos esfuma en el cuadro, a pesar de su presencia.
Gran tenebrista, su colorido, aunque intenso, tiende a lo monocromo, pero hace brillar todo fulgor objetos y figuras en la oscuridad. Con razón se ha dicho que Rembrandt, las luces parecen proceder de los mismos personajes. La sombra no es un zona opaca donde las desaparecen, sino un espacio en el que los colores vibran con menor fuerza, creando una zona mágica de misterio, soledad y ensueño.
Su pintura abarcó numerosos temas; el retrato, el paisaje, el cuadro religioso, el mitológico y fue también uno de los más grandes de todos los tiempos.
LA PINTURA BARROCO ESPAÑOLA
En el siglo XVII, representa la época culminante de la pintura española. Curioso es advertir como la tendencia política y económica coincide con un auge artístico y espiritual tan importante.
España, país católica por excelencia, el tema religioso es la temática del momento, posee una corriente naturista nacida en Italia. Aunque consideramos en menor nivel, la pintura profana también logra establecerse como un genero de esta época, huye de lo grotesco o lo desagradable; surge de una pintura relativa a escenas y tipos populares, como mendigos, borrachos, bufones y pícaros; muestra la sociedad marginal de la época; donde encontramos tres visiones distintas frente a escenas similares:
• Rivera: es uno de los que ridiculiza el tema del enanismo.
• Velázquez: muestra un mayor sentido humanitario, representándolos (los enanos) de una forma más sutil, utilizando para ellos sillas, en donde estos se encontraban sentados. (mas adelante se hablara sobre la biografía de este pintor)
• Murillo: a diferencia de estos dos se aparta de la visión real a través de una versión dulcificadora, en donde la intensión de denuncia social queda desvirtualizada.
PINTURA EN EL SIGLO XIX
CARACTERíSTICAS:
Revolución industrial y científica que marcaron el sistema de valores imperante, afectando de esta manera el desarrollo artístico; el arte era de carácter burgués es decir giraba en torno a los intereses de esta clase social; el crecimiento de la vida urbana, debido al desarrollo industrial y al aumento demográfico contribuyeron a que se contribuyera a cambios en las relaciones cliente artista.
Los artistas tenían un interés tanto económico como de reconocimiento, sus medios eran las exposiciones oficiales y la obtención de premios.
En el ambiente reina lo tradicional, siendo frecuente el rechazo a lo nuevo o renovador, por incomprensión o por ignorancia.
La forma de vida de los artistas se caracterizaba por la bohemia, su mentalidad por un desprecio hacia el mundo burgués, practico y materialista
CORRIENTES PICTORICAS DEL SIGLO XIX
EL ROMANTICISMO
Líneas de temple romántico serán las actitudes rebeldes, la defensa de la libertad, la inclinación de la melancolía, el sentimentalismo y la hipersensibilidad, el poderío del sentimiento sobre la razón y la fogosidad de lo pasional. El ímpetu y la fuerza sustituyen a la medida. Los gestos son dramáticos y exagerado.
Incursión mas allá de lo notable, suplicante a lo inexplorado y enigmático. El hombre se transforma en un asistente singular del mundo.
La realidad ya no es universalmente valida, sino que ya esta regida por la subjetividad, es la proclama más absoluta del yo.
El Romanticismo se basa en la nostalgia, en el deseo de la recuperación, en el deseo de la recuperación del tiempo pasado, en la evasión fantástica y en la huida de la realidad y el presente, los románticos ponían su mirada en el medio evo.
En esta época se descubre la brutalidad de la guerra, sus consecuencias y la huella que deja en el ser humano. Se percibe en sus obras un espíritu cargado de melancolía, tristeza ó ternura desde la sociedad personal.
Los principales representantes del romanticismo son: Gericault y Delacroix.
Gericault: es el símbolo más claro de este estilo, tenía un temperamento ardiente, especialmente ejemplificado en la utilización de colores, gracias a él se presentó un suceso que originó un autentico escándalo político, debido a la realización de la pintura llamada:
Delacroix: él toma sus temas de la literatura, de la historia y de los acontecimientos contemporáneos, pero solo le da importancia a lo fantástico y simbólico. Odia el gris y gusta de las tonalidades fuertes, pues permiten subrayar gestos y composiciones.
EL PAISAJISMO
Hace su aparición en Francia, los artístas pintaban los alrededores de París, interesándose por los efectos de la lluvia y la tormenta.
Los artistas se desplazaban hasta otras ciudades, habitando humildes chozas y sufriendo las inclemencias del tiempo. El más importante de todos ellos fue Theodore Rousseau€, su romanticismo se expresa fundamentalmente a través de los árboles.
EL REALISMO
Esta tendencia fue creándose en el propio seno del romanticismo, su atención se basaba en el paisaje, lo popular, lo particular, y lo concreto, triunfando en forma definitiva en el año de 1848.
El Realismo huye de la idealización de la imagen; sus temas no son ni heroico, ni amables, es el hombre embrutecido por la fatiga de su trabajo agotador quien se convierte en motivo para la realización de sus obras. Se presenta un esfuerzo por representar un entorno como se supone es realmente. El positivismo filosófico, el socialismo y la naciente revolución tecnológica y científica, se encuentran como base de esta nueva corriente que abarca las décadas centrales del siglo XIX.
Uno de sus principales representantes fue Millet, pintor de la tierra, de campesinos que trabajaban resignadamente los campos. De sus cuadros emerge una calma y sencillez muy distante de los cuadros que realizan otros pintores.
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€Nació en 1812 y murió en 1867, pintor francés, perteneciente a la escuela de Barbizon, uno de los maestros del paisaje, gran interprete de la estructura del terreno y del árbol.
EL IMPRESIONISMO
El impresionismo es un movimiento pictórico fundamental en la historia del arte moderno, de él arranca toda la historia del arte moderno. De él arranca toda la pintura del siglo XX y es el punto de ruptura con el arte clásico. Con el impresionismo nace toda la riqueza del arte actual y tiene una importancia decisiva en las artes decorativas. A pesar de los esfuerzos de los pintores por no caer en lo decorativo, lo cierto es que la pintura profunda tiene una serie de valores plásticos complementarios y nuevos; como lo es el color. El color es una preocupación constante, prevaleciendo sobre el dibujo, el impresionismo aprovecha ñas experiencias de una nuevas forma de ver el mundo.
Se utilizan los colores nuevos del prisma, empleando los primarios y los binarios, realizando mezclas que le permita al artista lograr lo deseado.
El impresionismo busca la luz coloreada y el negro constituye la negación, por lo tanto no se utiliza. Las sombras dejan de ser oscuras y se reducen a espacios coloreados con los colores primarios.
Los colores se aplican sobre la tela, mediante pinceladas sueltas y pastosas, pues el impresionismo hace un derroche de colores.
De cerca estos cuadros parecen bocetos, pero al alejarse y ser contemplados a distancia se produce la correcta visión del conjunto al fundirse en la retina del espectador todos los trazos.
CARACTERISTICAS DE
† El color y la forma de los objetos están íntimamente unidos.
† Obra preferiblemente se aprecia en conjunto que en parcialidad; claro esta que esto se deja a criterio del espectador.
† El color solo seria el puro espectro solar. La forma sola elementos geométricos abstractos, sobre las líneas de la forma geométrica el ojo humano reúne los colores del espectro y hace comprensible así el objeto.
† Los colores de la imagen solar están contiguos y no fundidos.
† Los pintores impresionistas tienen en cuenta la teoría de los colores complementarios; como ya es sabido dos colores complementarios uno puesto frente al otro se realzan y mezclados se anulan. Los pintores tienen en cuenta esto y prefieren realizar obras donde el ojo sea quien haga estas mezclas.
† Abandonan el tema histórico y mitológico, para preocuparse por la realidad social que los rodea.
La preocupación luminosa lleva a los artistas a pintar cuidadosamente los rayos del sol, que se filtran a través de las hojas de los arboles, que inciden sobre las formas, o brillan sobre las aguas: ríos, arroyos, playas. La captación y perfecta representación de ese cuerpo liquido, siempre en movimiento, constituye una de las grandes conquistas del estilo.
ARGUMENTO DE
§ Los cuadros son fácilmente comprensibles por que no expresan mas que no que representan.
§ Mas que el contenido interesa el tono, el cromatismo, las experiencias sucesivas.
§ Se trata de fijar impresiones momentáneas de la naturaleza, enfrentarse directamente con el objeto y pintar, en general a pleno aire.
§ Por lo general el artista trabaja deprisa, por que el rápido cambio de colores lo requiere así.
§ Lo problemas tradicionales de la pintura son el volumen, línea, claroscuro NO INTERESA, por que pertenece a la forma ya existente.
§ En estos cuadros se adivina no solo el clima u estación sino que además permite saber la hora del día.
REPRESENTANTES DE
¢ MONET: Se formo en el realismo; alcanza un gran valor poético en sus trabajos acuáticos, en donde logra la captación de los centelleos luminosos; también plasma en sus obras las sucias estaciones ferroviarias, con el humo de sus maquinas, captando con gran maestría la entrada y la salida de los trenes.
¢ A. SISLEY: Es el mas lírico pintor del grupo, convencido por el paisaje de las vías navegables, en sus labor se acentuaron los temas de la inundación. Por otra parte también realizo trabajos muy realistas de paisajes nevados en los que muestra enorme miramiento y sensiblería.
¢ C. PISSARRO: era el de mas edad y jugo el papel de fortalecedor de los lazos de amistad entre todos ellos. Los arboles y las casas constituyen una sólida estructura para sus telas, mediante ellas parece como si intentara recuperar el volumen perdido entre las manchas, hecho del que se encargara ya de forma mas concreta el postimpresionista Cezzane. Tuvo en sus pinturas varias etapas, siendo las más sobresaliente la etapa puntillista.
¢ E. MANET: la mayor parte de su obra pertenece al realismo, sus temas eran regatas y marinas y sin embargo la forma humana era esencial para el, como se puede observar en la obra el Bar del Folies Bergére.
¢ E. DEGAS: en general no podemos ignorar sus cuadros de carreras hípicas, este artista prefiere los interiores que el pleno aire. Es un impresionista mas de la forma que del color. La brillante luz natural queda desplazada en muchas de sus obras ya que se caracterizan la palidez del escenario. Se siente interesado por los ensayos del Ballet, muestra a las bailarinas en gran variedad de actitudes: Realizando ejercicios, inclinándose para recibir el aplauso o esperando entrar en el escenario.
¢ A. RENOIR: es al mismo tiempo un revolucionario y un artista, que se aferra a lo tradicional, en ocasiones algunos de sus cuadros reflejan la influencia de TIZIANO o de RUBENS, en cuanto a la concepción de la forma, sin embargo su técnica es plenamente impresionista, ningún pintor a representado como el la filtración de los rayos solares a través de las hojas.
G EL PUNTILLISMO O DIVISIONISMO: hacia los años 80´algunos pintores se empezaron a plantear, que la recreación poética de la luz de los cuadros no se correspondían plenamente a las exigencias científicas del estudio del color. En la exposición de 1986, junto a los pintores de siempre uno nuevo surge Georges Seurat, su obra una tarde de domingo, provoco un gran asombro, su su trazo suelto y ligero de la pintura había sido sustituido por pequeños puntos; debido a la falta de rigor científico de los pintores anteriores, Seurat propone un estudio de su obra y el estudio de la ley de los contrastes simultáneos.
En el puntillismo reina el orden y la claridad, como también la luz y la forma encuentran una síntesis perfecta. Incluso se pretende recuperar el volumen.
Otros importantes representantes son: (aunque temporalmente) Pissarro, Van Gogh, Gauguin.
G EL POS IMPRESIONISMO: para muchos expertos el puntillismo fue un retroceso del impresionismo, entonces varios pintores buscaron nuevas técnicas, entre ellas surgieron: (en los primeros años del siglo XX, el fauvismo, el cubismo, el expresionismo)
Vicent Van Gogh, holandés de nacimiento, su periodo mas importante inicia con la llegada a París en 1886 y termina con su suicidio en 1890. Su naturaleza neurótica lo hace sentirse mal en París, sus obras plasma los campos de trigo en un excelente manejo de los tonos amarillos, contrastados con la luminosidad del azul del cielo.
Sin embargo la locura ira haciendo presa en su espíritu, paralelo a esto pinta con gran genialidad; pues su hermano Theo y la pintura logran mantenerlo un poco calmado hasta su muerte. Luz, color y expresividad son los componentes básicos de su obra y con ellos se marca la pauta para el expresionismo.
Van Gogh siempre utilizó colores puros, cuando pintaba utilizaba el color que le atraía mas según como estuviera en mas semejanza con sus sentimientos.
Aspectos psicológicos en los trazos de Van Gogh: Aplicaba el color en larguísimas cursivas, y cada vez más ondulantes, que hacen flamear la forma y crean explosivos remolinos, expresando así su angustia interior.
Las forma se quiebran angularmente mostrando así su desequilibrio: por ejemplo en su obra pictórica "la habitación de Arles", realizada en 1889, el pintor busca el descanso para su mente atormentada, sugiriéndolo así en la pintura de su cuarto, los colores utilizados expresan sensación de reposo y descanso que su pensamiento e imaginación necesitan. Se observa el espacio claustrofóbico, la única esperanza es la ventana, pero al parecer da hacia el interior, el pintor se siente hostil, enclaustrado en si mismo, la mas tristeza soledad se apodera de el, la cual se ve reflejada en los tonos de los azules, lilas y violetas y el pesimismo de los marrones se mezcla con el patetismo de los verdes desvanecidos el cual contrasta con el rojo del cubre lecho de la cama. Se detalla en la obra metafóricamente que la vida se ha ido y a lo mejor mucho antes de que se suicidara.
CARACTERISTICAS: EL cambio de siglo del XIX al XX, puso en evidencia la crisis de valores de las épocas anteriores, cambios que aun repercuten en el hombre de la sociedad actual. Todos los avances científicos, técnicos y filosóficos, como también las nuevas realidades políticas que se producen en Europa van a alterar la opiniones intelectuales y consecuentemente las sociales, que seguidamente esto se va a traducir en el arte.
El desencanto final fue producido por la guerra mundial. Por lo tanto el artista no puede voltearse a mirar el pasado, el presente corre vertiginosamente. El abandono de la rigidez académica, ya iniciado en el siglo anterior con los siguientes rasgos o aspectos:
§ La superación del tema.
§ La importancia del color.
§ La desintegración de las formas.
§ Objetos en las representaciones figurativas.
§ La utilización de nuevos materiales.
§ Inclusión de la expresión espontanea con relación al inconsciente.
Todo lo anterior supone una inversión de valores y principios, que buscan otros planteamientos y soluciones.
El artista expresa estados de animo e hasta se incluye en las obras el mismo.
Las nuevas vanguardias artísticas imponen el valor económico a las obras y por lo tanto coleccionistas e intermediarios que se lucran de este tipo de comercio.
G FIGURACION Y ABSTRACCION: Los artistas de esta primera época tomaron los postulados, como punto de partida artistas impresionistas y más exactamente los artistas del pos-impresionismo; Van Gogh, Cezanne y Gauguin, sus primeras creaciones artísticas fueron el plataforma para los artistas de inicio de siglo XIX, en donde podemos decir que:
1. El cubismo toma de los logros de Cezanne, los gruesos empastes, las facturas ondulantes y las líneas agudas.
2. De Van Gogh tomaron la forma en que se apropiaban arbitrariamente del color.
3. De Gauguin, de él fueron adoptadas las técnicas por los fauvistas, aunque sus manifestaciones son mas líricas y menos agresivas,
Ahora adentrándonos al tema de la abstracción, se puede decir que pintura abstracta a aquellas obras carece totalmente de figuración, es decir que no plasma espacios reales, objetos o paisajes, figuras humanas, animales, ni incluso formas geométricas representadas como objetos con iluminación y perspectiva, es por lo tanto una creación que huye de ser imitada o copiada.
En la creación de la obra abstracta no debe de haber referencia de algo independiente de la obra misma..
En el arte abstracto la propuesta es una nueva realidad.
La pintura abstracta de divide en dos grupos como son:
a) Intuición, dirigiéndose este a la trama lineal y el ritmo discontinuo, un ejemplo es la forma en que están dibujadas las caricaturas infantiles.
b) Racionalismo: supuso el triunfo del geometrismo, la forma regular plana, ele estudio de la ordenación espacial y la simbolización de los valores esenciales expresados a través de las corrientes tales como el neoclasicismo.
G EL FAUVISMO: Se le llama así por el colorido violento. (Fauves significa fieras). En esta tendencia se rechaza el proceso imitador, sencillamente la realidad se refleja tal cual es, existe una autonomía del color y de la forma; por lo tanto el color es el verdadero protagonista.
El dibujo en muchos casos, se transforma en una gruesa línea de color independiente, que va cambiando de coloración y así en una misma figura; unas partes son de un color y otras de otro, como si una luz arbitraria las hiciera variar.
Los temas tratados son los paisajes rurales y urbanos, junto a los retratos, aparte de la invención de la naturaleza muerta.
En el fauvismo la luz emana su propia brillantez.
G ABSTRACCION GEOMETRICA: Propuesta por los neoplasticistas holandeses como Mondrian, propondian una abstraccion geometrica, rigurosamente fria y racional.
El arte abstracto en general siguio la linea racionalista hasta despues de la segunda guerra mundial.
G EL CUBISMO: El vocablo se acomoda a la utilización de formas cubicas; el mayor interés es el de rescatar el volumen en la pintura que los impresionistas habían suprimido, el procedimiento consiste en la alternancia de luces y sombras o como se le llama comúnmente claroscuro, también se encuentra la importancia del ensuciado de los colores.
El nacimiento del cubismo se sitúa en 1907, cuando Picasso realiza su famoso cuadro (les demoiselles D' avignon.
El cubismo abrió la vía al nuevo realismo, en 1910 surgió como la única forma de representar las tres dimensiones sobre una superficie plana, a medida que se insistía en los volúmenes, los planos que lo limitaban cobraban mas importancia, estudiados en si mismos y no en la visión global.
Al desarrollar la nueva pintura Picasso se baso en una mirada múltiple, móvil, formas observadas simultáneamente de frente y de perfil, por haberse movido el artista durante la ejecución, escogiendo ángulos de visión distintos, desarrolladas en el tiempo, diferentes posturas de las mismas, y dentro del espacio.
El cubismo abrió la vía al nuevo realismo intelectual, opuesto a la óptica de la pintura tradicional a que estabamos habituados.
Inicialmente la obra cubista parece contradecir nuestra visión, por que no se sujeta a las leyes de la perspectiva.
Dentro de este movimiento pictórico podemos encontrar cuatro frases:
§ Cezanista, por los principios establecidos por este pintor, tras estos principio se inicia el cubismo analítico, basado, en el análisis racional del espacio y de los volúmenes que allí figuran; las formas se separan o se empotran como sus mezclas minerales.
§ En el cubismo hermético el volumen "estalla" y es difícil averiguar a que objeto pertenece tal o cual plano.
§ El color no aporta indicaciones complementarias, por lo tanto requiere de algunos elementos que le permitan al espectador leer lo que expresa el tema pictórico.
G EL FUTURISMO: hace parte de una corriente racionalista, extrayendo del cubismo el tema de la simultaneidad, utiliza el color para dar el efecto de movimiento e incluso muchos artistas desean incluir bandas sonoras a estos trabajos pictóricos..
La ciudad fue el tema inagotable para los futuristas; las gentes que se van, las gentes que van y vienen por sus bulliciosas calles, sus luces, sus locales ruidosos; asi como el trafico constante de los autos y bicicletas.
También la pintura humana posee una gran importancia, las cual sirvió como punto de partida para sus obras.
El movimiento tuvo corta duración, pues la guerra dispersa al grupo.
G EL INFORMALISMO: con el nombre de informalismo o expresionismo abstracto, se han agrupado un serie de tendencias con afinidad como la pintura de acción, la sígnica (ponen su acento en la intención gestual o gráfica), la espacial cromática (gira en torno a los colores, se centra en la expresión de sensaciones mas contemplativas y de carácter mas intimo), el surrealismo abstracto, y el arte materico que se desarrollaban en América en los años cuarenta hasta casi los sesenta. Se le llama informal ya que se concibo por la manifestación artística que carece de formas reconocibles.
Este arte surgió en Europa, llamado también "tachismo" ó "art. autre", al igual que el informalismo Americano se basa en la improvisación y en la manifestación espontanea; los espectadores reaccionan bajo el impacto de las emociones y sensaciones distintas, pues la pintura no describe, ni expresa ningún sentimiento, solo se limita a provocarlos.
Los pintores trabajaron bajo diversas técnicas:
- La gestual.
- La sígnica.
- La manchista.
- La materica.
Donde trabajaban diversos materiales como arena, trapos, materiales de desecho, madera, metal, etc., dando con ello un relieve a la obra.
G EL POP ART: desde el impresionismo hasta el informalismo hemos visto correr una serie de tendencias pictóricas en las que el artista ha ido desprendiéndose de toda conexión, con las formas representativas tradicionales a partir de una visión panorámica, esta tendencia ha estado determinada por dos notas determinantes:
1. Alejamiento de la representación realista.
2. Utilización como material y tema pictórico, lo humilde, lo común es decir la incorporación de tierra, el metal, trozos de cerámica.
Podemos decir que es una técnica que huye de lo mundanal; para adentrarse en algo mas profundo es decir la esencia de lo orgánico y no inorgánico.
Apareció en Estados Unidos a mediados de la década de los sesenta, denominado Pop- Art. o ARTE POPULAR.
Este es pues el hijo legitima de la civilización tecnificada de las masas, que hoy en día es dueña de toda América y de toda Europa Occidental.
CARACTERISTICAS DETERMINANTES:
[ abandona la abstracción y presenta temas muy completos.
[ Utiliza diversidad de materiales, desde el Oleo hasta el Guache, pasando por objetos concretos y reales como cajas de cerveza, botellas de coca - cola, muñecos de niño, fotografías de periódico, relojes, zapatos, maniquíes, cómics, etc.
[ El colorido es brillante y alegre en la línea del tecnicolor, como los carteles publicitarios y los cómics.
[ Su filosofía parte de un juicio de la sociedad capitalista de consumo americana y europea invalidada por los fenómenos como la publicidad, el afán de posesión de objetos, como carros, televisores, relojes, joyas, etc. El mito de las grandes estrellas del cine, exaltación de los cómics como queriendo decir "así somos de superficiales".
[ Este artista habla por medio de una técnica similar a los publicistas y refleja también el espíritu de los trabajadores.
ANTECEDENTES HISTORICO: En 1912, los cubistas utilizaron papel periódico en sus obras, marcando así el camino.
En la escuela "Dadá", algunos pintores incorporaron a su trabajo algunos objetos reales, siendo así este artista el centro de la civilización de consumo.
Por lo regular siente cierta nostalgia por épocas pasadas, centrado en unos modos de vida domestica y burguesa.
Esta técnica fue consagrada en una exposición que le dedico "El Museo de Arte Moderno de New York" en 1964, su figura mas representativa fue Rauschemberg.
G EL HIPERREALSMO: es una corriente de origen Norteamericano, que tuvo su comienzo en exposición "la imagen fotográfica" del Gagenheim Museum de Nueva York, En Europa empezó a conocerse a partir de 1972 con la presentación de cinco documentos de Kassel y en
Se trata de una pintura plana, lo que la diferencia del Pop-art es que da la impresión de inmensas ampliaciones fotográficas.
El espectador se encuentra en una alta agudeza óptica que incluso supera a la cámara.
Es característico el gigantismo de sus formatos, la exactitud de la representación y la técnica del trabajo a base de pintar sobre proyecciones de diapositivas.
Sus imágenes frías y objetivas muestran los aspectos triviales de la sociedad de consumo.
Su total realismo supone una reacción frente a la ausencia del sujeto promovido en esos mismos años por el arte conceptual.
G ARTE CONCEPTUAL: se desarrollo a partir de la época de los sesenta, la cual parte de la investigación de la esencia del hecho estético, mas que de una realización material, e incluye una gran variedad de actividades estéticas que van desde la lingüística y semiótica, hasta experiencias con el propio cuerpo del artista, relación con el entorno y una posición profundamente ecologista y mineralogista.
Es de carácter efímero y recurre muchas veces a la fotografía y a la información impresa de catálogos o folletos.
Ponen al artista en una relación directa con el publico, su carácter efímero, supone el rechazo de la comercialización del arte y su propiedad privada.
Las características de las pinturas de los años ochenta es probable que obedezcan al vértigo y al estrés, la competitividad y la dureza de la vida moderna; pues todo esto aflora de manera inconsciente por el autor, aunque la obra no se queda muda, pues en la esencia misma del arte se halla la comunicación, y es así como el artista se convierte en "instrumento silencioso" para que la realidad de nuestra época se manifieste por ella misma.
LO SUPERIOR Y LO INFERIOR EN
Ha través del recorrido histórico que hemos realizado sobre la pintura podemos decir que cada época tiene o marca una tendencia en el arte, y aunque en cada fase surge uno que otro artista extraño por su estilo, esto no significa que sus obras son de carácter inferior.
"Solo hay un punto indivisible, que sea adecuado para ver un cuadro, los otros están demasiado altos o demasiado bajos. Entre muchos pares de ojos que contemplen una obra al mismo tiempo, solo uno tendrá la verdadera perspectiva, los demás no tendrán mas que una visión distorsionada" (LEONARDO DAVINCHI)
Retomando el escrito anterior podemos decir que las reales motivaciones de la creación de una obra y su verdadera significación, apuntan solo y únicamente a la entonación del artista, pues por lo tanto sus obras develen velozmente el inconsciente. Y es este inconsciente plasmado en una obra la que decide en gran parte la expresión real de la vida del artista.
Lo que interpretan los espectadores apunta de igual forma a la capacidad creadora de abstraer de un cuadro aspectos o formas que le signifiquen y le permitan sacar rasgos impensados del inconsciente.
Para concluir decimos que toda pintura es la materialización de la creatividad humana y la capacidad proyectada, imaginativa, inteligente y talentoso, que nos hace diferentes de los animales.
Hemos de tener en cuenta que a mucha gente le gusta ver en los cuadros, lo que le gustaría ver en la realidad, por lo tanto la confusión podría provenir de que varían mucho los gustos y los criterios a cerca de la belleza.
Un ejemplo podría ser el Ratón Mickey, pues poco se parece al ratón de verdad, pero sin embargo nadie a mandado cartas quejándose indignado de la diferencia que existe con un ratón de verdad.
Entonces es por ello que nos ha quedado complicado lograr determinar lo superior e inferior en una obra pictórica.
BIBLIOGRAFIA
¨ Gombrich, E HISTORIA DEL ARTE
MADRID, EDITORIAL ALIANZA, 1981
¨ ENCICLOPEDIA SUPERIOR
CIRCULO DE LECTORE HISTORIA DEL ARTE. 1994
¨ LEXXIS 22
CIRCULO DE LECTORES
¨ DICCIONARIO ENCICLOPEDICO SALVAT
[1] En su obra se dedica a establecer las instrucciones técnicas que rigen la ejecución, los principios y describe el proceso de la idealización de la obra de arte.
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